Retrouvez le détail de ces 19 rendez-vous intimes et feutrés et l’intégralité de la 15ème saison « Autour du Piano » sur www.autourdupiano.fr du 21 janvier au 19 mars 2012, les samedi, dimanche et lundi à partir de 19h.
Pour la Saint-Valentin, le 14 février, Paul Badura-Skoda reprendra son récital du 21 janvier consacré à Chopin, une idée bien romantique pour la fêter !

Jeannine Hauchart

Pratique :

Musée Jacquemart-André
158, Boulevard Haussmann
75008 Paris
Métro : Miromesnil (Lignes 9 et 13)
Bus : n°22 et 52
Parking : 164, Boulevard Haussmann
Réservations : www.autourdupiano.com et 01 43 71 60 71
Prix des places : Carré or 80€, 1ère catégorie 60 €, 2ème catégorie 45 €.

Samedi 21 janvier 2012
Paul Badura-Skoda, récital de piano
« Concert Chopin » : valses, nocturnes, mazurkas…

Dimanche 22 janvier 2012
Jean-Marc Luisada, récital de piano
« Chapeau bas, Messieurs, un génie ! » dit Schumann de Chopin : Schumann-Chopin

Lundi 23 janvier 2012
Jean-Marc Luisada, récital de piano
« Bagatelles & Sonates » : Beethoven-Schubert-Liszt

Samedi 28 janvier 2012
François Le Roux, baryton & Christian Ivaldi, piano
« Mélodies françaises » : Gounod, Lalo, Chausson, Debussy, Fauré

Dimanche 29 janvier 2012
Roberte Mamou, piano, Tatiana Samouil, violon, Justus Grimm, violoncelle
« En Duo & en Trio » : Chopin-Grieg-Schubert

Lundi 30 janvier 2012
Claire Oppert, violoncelle & Roustem Saitkoulov, piano
« Sonates et mélodies romantiques pour violoncelle & piano » : Brahms-Schumann-Chopin

Samedi 4 février 2012
Roberte Mamou, piano – Constantin Bogdanas, violon
Vlad Bogdanas, alto – Amy Norrington, violoncelle – Odile Simon, contrebasse
« Un siècle de musique : 1770 – 1870 » : Hummel-Rossini-Schubert

Dimanche 5 février 2012 à 19h
Leontina Vaduva, soprano & Masakatsu Nakano, piano
« Airs d’opéra et mélodies » : Pergolesi-Bellini-Verdi…

Lundi 6 février 2012 à 19h
Cyprien Katsaris, piano
Programme-surprise « Autour du XIXème siècle »

Samedi 11 février 2012
Suzanne Ramon, violoncelle & Emmanuelle Swiercz, piano
« Sonates pour violoncelle et piano » : Grieg-Beethoven

Dimanche 12 février 2012
Erik Berchot, piano
« Classicisme & Romantisme » : Beethoven-Schumann-Chopin

Lundi 13 février 2012
Marie-Christine Barrault, récitante & Nicolas Boyer, piano
« Lettres de musiciens… de Bach à Debussy »

Mardi 14 février 2012
Paul Badura-Skoda, récital de piano
« Concert Chopin » : valses, nocturnes, mazurkas…

Samedi 10 mars 2012
Anne, Micha & Pierre Makarenko
Trio balalaïka, piano & hautbois
« Musique Russe, le voyage de Paris à Saint-Pétersbourg »
Duo Balalaïka & Piano – Trio Balalaïka, Piano & Hautbois
Dimanche 11 mars 2012
Bruno Rigutto, piano
« Fantaisies… » : Mozart-Chopin-Schumann

Lundi 12 mars 2012
Herbert du Plessis, piano
« Influences virtuoses » : Chopin-Debussy-Liszt
Samedi 17 mars 2012
Sasha Rozhdestvenski, violon & Roberte Mamou, piano
« L’art de la Sonate » : Mozart-Ravel-Franck

Dimanche 18 mars 2012
Cordelia Palm, violon & Françoise Buffet-Arsenijevic, piano
« Sonates pour violon et piano : le dialogue éternel » : Beethoven-Fauré

Lundi 19 mars 2012 à 19h00
Brigitte Fossey, récitante & Yves Henry, piano
« Robert & Clara Schumann » : Un couple mythique, une histoire d’amour, de musique et de folie inspirée.

Réservations : www.autourdupiano.com et 01 43 71 60 71.
Photo : Le Grand Salon – Musée Jacquemart-André.

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Le centre Revlon est d’abord l’histoire d’une cliente passionnée qui se désolait de la fermeture de cet institut. N’écoutant que son enthousiasme Dominique Segalis demanda à la marque Revlon de faire repartir cette véritable institution située dans le triangle d’or du 8ème arrondissement de Paris.

Accueilli dans un appartement haussmannien, la clientèle du quartier et d’ailleurs se donne l’adresse sous le manteau. Ici, pas de publicité tapageuse, ni de luxe ostentatoire, mais une ambiance feutrée et une grande qualité de soin.

Ici, on vient pour l’accueil « à l’ancienne» , personnalisé, à l’image de la directrice et de son équipe.

L’expertise de manucure et de pose de vernis reste l’incontournable de chez Revlon, bien sûr, mais on recommande surtout le soin dédié aux femmes pressées. Loin d’être une prestation au rabais, trois esthéticiennes prennent en charge vos mains, vos pieds et votre visage ! Efficacité et détente garanties en une heure à peine !

Le petit plus, une masseuse hors pair qui sent spontanément ce dont vous avez besoin !

On ne le dira jamais assez : les centres esthétiques sont d’abord une affaire d’humains.

Pratique :

Institut Revlon
19 rue de Bassano
75116 Paris.

www.revlon.fr

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Initiative propre à légitimer l’Aquitaine comme terre des Arts, elle qui est plus souvent regardée comme étant une terre fertile de la Littérature, l’Institut Culturel Bernard Magrez s’inscrit en outre dans le prestigieux sillage tracé par le Groupe LVMH, l’un des pionniers du mécénat à la française. (C’est en effet dès 1993 que Bernard Arnault a commencé à faire circuler 3 stradivarius en France et dans le monde.)

Il est enfin notable que la structure juridique choisie par Bernard Magrez pour mener à bien ses actions d’intérêt général revête la forme moderne du fonds de dotation, personne morale nouvelle créée par l’Article 140 de la Loi de Modernisation de l’Économie du 1er Août 2008.

Par nature souple dans ses statuts, non contraignant dans sa gestion, idéal pour accompagner des opérations de dimension régionale ou nationale, le fonds de dotation a certainement un bel avenir, placé entre les mains d’un modeste et généreux vigneron qui a réussi à grimper les échelles de la sociétés, avec un simple CAP d’affûteur-scieur en poche depuis le début de sa carrière.

S.B et S.T.

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Ce triomphe dans la mode, nous le devons peut-être à Louis XIV qui sut imposer nos goûts à l’Europe, puis aussi au XIXe siècle bourgeois des crinolines du gai Paris et des grands magasins, enfin aux deux grands couturiers que furent Poiret et Doucet, précédés par Worth.
Ils lancèrent le concept des changements de style et de l’association du parfum. « La mode, c’est ce qui se démode » disait paradoxalement Jean Cocteau.
Quant à Coco Chanel qui a révolutionné la mode et fut inégalée, même si elle fut suivie par de très grands noms comme Jeanne Lanvin ou Nina Ricci, étant elle aussi une amie de Jean Cocteau, elle avait affiné la phrase en disant que « La mode se démode, le style jamais ».

C’est la libération de 44-45 qui impose définitivement Paris comme la capitale de la mode avec trois grands noms : Christian Dior, Yves Saint Laurent et bien sûr Pierre Cardin, le seul survivant du « trio de génies », accompagnés de grands noms comme Féraud, Balmain, Balenciaga, Givenchy, Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Jean-Paul Gaultier.

Il n’est de mode qu’à Paris, même si chaque année les lancements de la haute couture s’étalent dans les nouvelles « Fashion Week » à Milan ou à New York, avec des prolongements emblématiques dans des lieux prestigieux comme Monaco ou Miami, apportant aux grandes marques, dont elle est la vitrine, le renouvellement de l’inspiration du moment.

En cette période de crise, on ne pouvait s’attendre qu’à une explosion flamboyante. Nous n’avons pas été déçus, au point que les commentateurs et sociologues n’ont pas hésité à parler des sept transgressions sexuelles avec leur inspiration fondée sur la « bourgeoisie décadente », les « Lolita délurés », les « calls girls », les « fétichistes », les « androgynes », les adeptes du « bondage » et du « SM ».

Car la mode nous fait rêver et nous aide à oublier notre quotidien, c’est-à-dire à retrouver nos rêves et nos fantasmes.

Photos : Christophe Guillarmé et Jean Castarède
Créations de Christophe Guillarmé.

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Tricoter de petits bonnets de laine pour en coiffer des bouteilles de smoothies, une idée farfelue ? Pas si sûr… Cela marche du tonnerre.
En octobre, de nombreux participants ont tricoté de jolis petits bonnets qui seront vendus avec les petites bouteilles de chez Innocent. Le défi de cette année était de récolter 200 000 petits tricots.
Pour chaque produit « coiffé»  acheté, on sait que 20 centimes d’euros seront reversés aux Petits Frères des Pauvres qui servent les personnes de plus de cinquante ans, pauvres et isolées. Et le prix des bouteilles ne change pas !

L’idée est doublement jolie, créer du lien entre les personnes qui ont tricoté pendant tout le mois d’octobre, et aider l’association en lui versant environ 50 000€.

Depuis 2005, cette initiative solidaire fonctionne à merveille. Une année, même la prison des femmes des Baumettes à Marseille s’était même mise à l’ouvrage.
Le bonnet symbolise la chaleur et le réconfort envers ceux qui souffrent du froid de l’hiver et de celui qui gèle plus encore le cœur : la solitude.

Voilà ce qui s’appelle un échange « gagnant-gagnant» . Cela crée une chaîne de solidarité et permet de faire connaître la si belle œuvre des Petits des Pauvres.

L’isolement est le mal du siècle, ne l’oublions pas. C’est sans doute pour cela que des hommes et des femmes de notre pays dorment toujours plus nombreux, en bas de chez nous, dans la rue.

Que faire ?

Acheter des bouteilles  Innocent « bonnéifiées» . Des produits frais et de qualité sans ajout de sucre et de conservateurs.

Aider Les Petits Frères des Pauvres
33 et 64 avenue Parmentier
75011 PARIS
Tél : + 33 (0)1 49 23 13 00
www.petitsfreres.asso.fr

Depuis 1946, les petits frères des Pauvres accompagnent, dans une relation fraternelle, des personnes – en priorité de plus de 50 ans – souffrant de solitude, de pauvreté, d’exclusion, de maladies graves. Association et fondation reconnues d’utilité publique.
Service

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Fort d’une vingtaine d’années d’existence, le centre d’Alliance Pornic (à Pornic donc !) a vu revenir celle que toute la profession respecte pour l’impulsion donnée à la thalassothérapie en France. Marie-Noëlle Veillet permit de la décloisonner et de l’associer aussi à la remise en forme, avant d’y introduire les spas qui offrent de la détente et de la mise en beauté.
Fille d’herboriste, elle est tournée vers la nature et ses bienfaits. La parfumerie tenue par sa mère en même temps que l’herboristerie lui permet d’associer très tôt nature et beauté.
Pionnière, elle l’est encore, quand, dans les années 50, son père la sensibilise au bio, une « doctrine»  pas très en vogue en ces temps où régnaient les produits chimiques. Ses premières armes se font dans les domaines de la diététiques et de l’esthétique avant d’être complétés par des diplômes de naturopathie et de sophrologie. Son expérience chez Phytomer sera décisive : elle ne quittera plus la mer ! Convaincue des bienfaits de la mer, elle participera à la gestion d’un centre de thalassothérapie en Bretagne nord avant de se lancer dans l’innovation des nouvelles thalasso.

En 1998, elle va jusqu’à travailler avec les architectes chargés de concevoir Alliance Pornic. Puis ce furent les aventures de Thermes marins de Monte-Carlo, l’ouverture d’un centre à Hammamet en Tunisie, celle ensuite de l’Ulysse Thalasso de Djerba qu’elle dirigera conjointement avec  celui de l’Athénée Thalasso, son voisin immédiat. Le résultat est proche de la perfection. Souhaitons que cet immense travail perdure, grâce au travail de Corinne Pont (voir notre article du 13 juillet 2011 : http://www.culturemag.fr/2011/07/13/corinne-pont-une-dame-de-la-thalasso/), malgré les remous causés par le « printemps»  arabe.

Depuis 2008, voilà Marie-Noëlle Veillet revenue à son port de départ, à Pornic. Elle y donne une nouvelle impulsion : la cuisine ayurvédique et le 100% bio. Elle instaure une cure Bio-détox et Biosensorielle Mer destinées à purifier l’organisme avec des produits bio.

Le point fort de l’établissement aujourd’hui est en effet le choix du bio et l’attention portée à la nutrition tout autant qu’aux soins de thalassothérapie (voir à ce sujet notre récit de recette du chef d’Alliance Pornic dans la Recette de Quat’sous de CultureMag). Bien se nourrir tout en se faisant plaisir est l’une des clés de la santé : c’est pourquoi les chefs collaborent au centre de formation Alain Ducasse. Au restaurant bio, les portions sont généreuses, équilibrées, saines et goûteuses sans être pour autant caloriques.

Fleuron de la carrière de Marie-Noëlle Veillet, sans doute, le prix Hygiène de Vie et Santé décerné par l’Unesco pour la cure Antitabac.

L’harmonie est le maître-mot de cette puriste de la thalasso. Celle qui doit régner entre les 165 personnes qui travaillent à l’hôtel et au centre Alliance Pornic, celle qui permet de vivre en harmonie avec soi et les autres. La thalasso comme un art de vivre, telle est la vision de Marie-Noëlle Veillet.

Quelques conseils du centre Alliance Pornic. Si vous avez mal commencé votre rentrée, il n’est pas trop tard pour prendre de bonnes résolutions à quelques semaines des fêtes de fin d’année.
Alliance Pornic propose un programme simple : sport, diététique, recettes détox ou astuces pour se détendre…

CONSEIL N°1 : RETOUR AU SPORT EN DOUCEUR

De retour des congés d’été, la reprise du sport doit se faire progressivement explique Bruno Vincent, coach sportif de la thalasso, qui recommande un démarrage en douceur, en corrélation avec une surveillance du cœur.
Il conseille également de reprendre dans un premier temps des activités cardio-vasculaires, puis des exercices de renforcement musculaire.
Retour en douceur certes, mais il est essentiel d’assurer rapidement une régularité de l’activité sportive, deux à trois fois par semaine, et de maintenir une bonne hygiène de vie, notamment sur le plan alimentaire.
Pour compléter ce programme sportif, rendez-vous à l’Espace Forme de la thalasso Alliance Pornic. Particulièrement spacieux, il offre un beau parcours aquatique, une piscine, un hammam et un sauna.
Détente garantie !

CONSEIL N°2 : TESTER DE NOUVELLES ACTIVITÉS

La rentrée est l’occasion de changer ses habitudes et tester de nouveaux sports. L’Aqua Punch, version aquatique du body combat, est une activité originale et effi cace pour retrouver sa silhouette et sculpter son corps.
Mélange de pratiques s’inspirant des arts martiaux, du karaté, du kick boxing et de la boxe anglaise, l’Aqua Punch est proposé à la thalasso sous forme de cours collectifs en piscine.
L’Aqua Punch permet avant tout de se défouler et de se muscler, le tout sans aucun danger pour les articulations. Pratiquer cette activité est bénéfi que à plus d’un titre : l’Aqua Punch provoque un hydro massage qui tonifi e l’ensemble du corps et agit ainsi contre la cellulite. Il permet de regalber l’ensemble du corps.
La piscine de natation d’Alliance Pornic, chauffée à 30°C, accueille 50 cours collectifs par semaine dont l’Aqua Punch. S’y initier est idéal pour retrouver tonus et vitalité.

CONSEIL N°3 : RETROUVER SA LIGNE APRÈS LES GOURMANDISES DE L’ÉTÉ

Pas besoin de régime pour retrouver sa silhouette, nous indique Emmanuelle Cazé, diététicienne du centre. En accompagnement d’une activité sportive régulière, il s’agit de quitter les mauvaises habitudes du quotidien et de rééquilibrer son alimentation : on favorise le végétal avec les fruits, légumes et céréales, et on limite toutes les calories non indispensables telles que le sucre et l’alcool.
À la thalasso Alliance Pornic, Emmanuelle Cazé anime deux ateliers diététiques par semaine, gratuits, pour apprendre à mieux équilibrer son alimentation.
Il est également possible de profiter d’une consultation diététique individuelle.

Pratique :

Alliance Pornic
Plage de la Source
BP 1329
44213 Pornic Cedex
Tél. : 02 40 82 21
www.thalassopornic.com

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

Je ne sais pas si vous êtes comme moi, mais à chaque retour de vacances je garde des impressions contrastées. D’ailleurs il faudrait écrire un livre sur « Comment réussir ses vacances », car souvent les gens reviennent dépités…

On a gardé le souvenir de l’été de la canicule, de l’été de la mort de Nadine Trintignant.

L’an dernier, c’était Mme Bettencourt qui défrayait la chronique, ce qui a valu le départ du Ministre du budget.

Cette année c’est DSK qui a fait la une de tous les journaux. Finalement nous revenons au travail, un peu soulagé de ne plus attendre chaque jour la dernière chronique le concernant.

Tout a éclaté pendant le Festival de Cannes :

Même après quarante festivals, auxquels j’ai assisté, on peut encore avoir des surprises à Cannes. Tel fut mon cas pour cette 64° édition. Je croyais avoir tout vu, tout vécu. C’était une illusion, car nous n’avions pas encore connu le coup de tonnerre du troisième jour : Kahn éclipsant Cannes.
« Strauss Kahn m’a tuer », se serait écrié De Niro en apprenant la nouvelle.

À partir de ces bruits éclatait le dimanche au réveil, cette bombe, nous permettant d’assister en direct au meilleur scénario du siècle qui gagnera sûrement un jour la palme, mais avec le recul et la décision prise le 23 août, lorsque l’on pense aux tonnes de papiers et d’encre que cette affaire a suscitée dans le monde pendant trois mois pour finalement aboutir à un non-lieu et à une requalification « en rapport précipité », on mesure la sagesse de ce grand écrivain qu’était Shakespeare avec sa pièce « Beaucoup de bruit pour rien ».

La nature nous donne l’exemple des équilibres, nous avons eu un été froid et, quelquefois pourri. Nous avons un automne enchanteur : c’est l’image de la vie… Les excès sont toujours compensés.

Voilà pourquoi avec le soleil renaissant, les risques sont de plus en plus menaçants.
Après la dégradation de la note américaine au début du mois d’août suivie de l’effondrement de la bourse nous avons cette épée de Damoclès suspendue sur nos têtes avec un risque de dégradation de la dette française. Nous l’avions écrit il y a deux ans : la crise est finie mais le pire est devant nous.

Aux cours des élections présidentielles, cette dégradation française ferait désordre, à moins que les agences de notation attendent justement le verdict des urnes.

On sait que chaque augmentation d’un point du taux d’intérêt ferait perdre à la France automatiquement 20 milliard d’euros. Alors à quoi bon faire des économies ou faire des plans d’austérité ?

Heureusement, les sociologues le savent bien, quand il y a des menaces, les couleurs s’avivent, de même que, pendant les guerres, les jupes se raccourcissent.

Les premiers défilés nous donnent le ton, notamment ceux de Milan, en attendant la Fashion Week Française. Ils nous dévoilent les tendances diverses et variées en nous offrant un voyage à travers les époques, allant de la mode féminine des années 1950 au dressing rétro des années 1970. Pour Dolce and Gabbana qui met en avant, pour son dernier défilé, une collection Printemps-Eté 2011/2012, riche en couleurs et en légumes du soleil, pour le jour, et de jais brodé ainsi que de cristaux, pour le soir.

Donatella Versace opte plutôt pour des couleurs pastel et scintillantes ultra féminines ainsi que pour de la soie plissée, inspirée de la Rome antique, qui pourrait séduire les stars du tapis rouge.

Finalement il ne faut pas trop paniquer. De 1920 à 1940 la France a connu un taux d’expansion nul, à cause notamment de la crise de 29 qui a duré plus de 10 ans. Pour celle qui nous concerne, nous n’en sommes qu’au début.

Mais il y a quand même encore quelques raisons d’espérer, la démographie mondiale, l’accroissement des échanges internationaux, la croissance des pays émergents.

Une seule chose est certaine, nous ne reviendrons pas en arrière ; d’une part, sortir de l’euro serait une catastrophe quasiment impossible qui remettrait en cause nos efforts de 30 ans ; d’autre part, ne pas tenir compte de la mondialisation à laquelle nous ne pouvons pas échapper est également illusoire.

Alors attendons sagement quelques signes positifs : l’approbation par les parlements du plan européen du 21 juillet (le dernier à voter étant le parlement tchèque le 15 octobre), la mise en place des Eurobounds ou des « Eurobunds », distinction subtile mais intelligente de l’économiste Michel Didier, la surveillance accrue des spéculateurs et l’abolition définitive des ventes à découvert.

Mais ce sera pour notre prochaine chronique.

En attendant si l’on veut se changer les idées d’une manière intelligente, allons écouter Fabrice Luchini, réciter « La Fontaine » au théâtre de l’Atelier.

Lui seul avait raison : « Patience et longueur de temps font plus que force ni que rage ». (Le lion et le rat)

Il y a aussi l’exposition sur le célèbre peintre norvégien, Edvard Munch, au Centre Pompidou, une manière de fêter le centième anniversaire de la naissance de Pompidou.

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

Cette année, toutefois, le festival propose dans ses immenses arènes, des œuvres un peu plus intimistes comme La Traviata, La Bohème ou bien l’inévitable Roméo et Juliette.  Les meilleurs chanteurs viennent chanter quelques représentations et il faut parfois jongler dans les alternances pour trouver sa distribution favorie.
On relève les noms de Ermonela Jaho et Inva Mula pour Violetta, Antonino Siragusa et Lawrence Brownlee pour Almaviva du Barbier de Séville, Nino Machaidze et Stefano Secco pour les amants de Vérone, Giovanna Casolla et Dolora Zajick pour Amnéris, les 5 Radamès différents Fabio Armiliato, Salvatore Licitra, Carlo Ventre, Walter Fraccaro et Marcello Giordani et bien d’autres encore. Dans un tel lieu et avec de tels artistes, on est assuré de passer une soirée magique, aux chandelles puisque peu de temps avant le début du spectacle le public a la tradition d’allumer des petites bougies dans la nuit tombante.
Du 17 juin au 3 septembre – www.arena.it

Autre festival se situant dans des lieux gigantesques, celui de Macerata et plus précisément au Sferisterio depuis 1921. Les œuvres présentées sont toujours très classiques. Au programme de l’édition 2011 on pourra entendre Un Ballo in Maschera, dans une mise en scène du maître des lieux Pier Luigi Pizzi, avec Stefano Secco et Teresa Romano dans les rôles principaux, un Rigoletto particulièrement alléchant avec Désirée Rancatore, Ismael Jordi et Giovanni Meoni et Cosi fan Tutte avec Carmela Remigio et Andrea Concetti.
Du 22 juillet au 6 août - www.sferisterio.it

Les thermes de Caracalla à Rome offrent également un décor théâtral majestueux. Deux opéras sont montés cet été avec des distributions très prometteuses : Tosca avec Nadia Vezzu, Thiago Arancam et Carlo Guelfi et Aïda avec Hui He, Giovanna Casolla et Walter Fraccaro. Les deux opéras seront dirigés par Asher Fisch.
Du 1er juillet au 8 août - www.operaroma.it

Le festival de Torre del Lago est essentiellement consacré à Puccini puisque le compositeur y a passé une grande partie de sa vie. Trois opéras sont présentés pour cet été: La Bohème, Turandot et Mme Butterfly. Des spécialistes du répertoire puccinien se succèderont pendant deux mois : Giovanna Casolla est l’une des meilleurs Turandot, Donata D’Annunzio Lombardi chante Mimi aux côtés du Rodolfo d’Aquiles Machado…
Du 16 juillet au 22 août – www.puccinifestival.it

Autre compositeur à avoir son festival, Rossini à Pesaro. Pendant 15 jours la ville italienne résonne au son de la musique du « cygne de Pesaro » avec des œuvres plus ou moins connues. En dehors de l’inévitable Barbier, chanté cette année par Mario Cassi, Juan Francisco Gatell et Marianna Pizzolato dans les rôles principaux, on pourra entendre Adelaide di Borgogna avec Daniela Barcellona, Mosé in Egitto avec Riccardo Zanellato et Sonia Ganassi, La scala di seta avec Simone Alberghini…
Du 10 au 23 août - www.rossinioperafestival.it

Manon Ardouin

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

Le festival-phare du répertoire baroque est bien évidemment celui de Beaune. Depuis bientôt 30 ans, la ville bourguignonne est l’étape indispensable pour tout amateur de musique baroque.
Cette édition 2011 est toute aussi prometteuse que les précédentes et on retrouve de grands habitués des Hospices. 6 opéras au programme de cette année : Raphaël Pichon et son ensemble Pygmalion jouent Dardanus de Rameau, Jérémie Rohrer ne quitte plus Mozart avec cette fois Idomeneo avec Richard Croft dans le rôle-titre, Jean-Christophe Spinosi retrouve son cher Vivaldi pour Orlando furioso tandis que Marc Minkowski fête les 30 ans des Musiciens du Louvre avec Cosi fan Tutte mené par Laurent Naouri en Don Alfonso.
Du côté des récitals on aura le plaisir de retrouver Andreas Scholl pour des cantates de Bach et Teodora Gheorghiu qui commence à se faire un prénom dans le paysage lyrique. Ann Hallenberg, Christophe Rousset, Alain Buet, Alexandra Coku, Mathias Vidal et bon d’autres seront également à l’affiche de ce 29ème festival.
Du 1er au 24 juillet 2011 – www.festivalbeaune.com

Autre grand festival baroque, celui de Sablé-sur-Sarthe. À raison de 3-4 concerts par jour, ce festival s’est rapidement imposé comme l’un des plus fameux du paysage baroque. À l’affiche cette année des habitués des lieux comme Philippe Jaroussky qui vient chanter… du Vivaldi, Jordi Savall, Montserrat Figueras et leur Ensemble Hespérion XXI… Parmi les autres moments à ne pas manquer, retenons le concert de Jérôme Corréas consacré à La Zingara de Capua, Acis et Galatée de Lully et Alcyone de Marais par Les Folies Françoises de Patrick Cohën-Akenine, un récital de la soprano Chantal Santon accompagnée par la claveciniste Violaine Cochard.
Du 23 au 27 août – www.sable-culture.fr

Le 15ème festival de Musiques à la Chabotterie en Vendée s’ouvre avec Naïs de Rameau sous la direction du maître des lieux Hugo Reyne : la distribution est menée par des spécialistes de Rameau que sont Jean-Paul Fouchécourt et Mireille Delunsch (autrement dit Platée et la Folie dans cette production mythique de Laurent Pelly). L’Ensemble Clément Janequin apportera quelques Cris de Paris tandis que Raphaël Pidoux interprètera les Suites pour violoncelle de Bach.
Du 19 juillet au 10 août – www.chabotterie.vendee.fr

Sinfonia en Périgord n’est pas en reste et accueille de grands noms du baroque. Le concert d’ouverture est confié à Michel Laplénie pour des pièces de Bach, Purcell, Monteverdi. Suivront des concerts de l’ensemble Pygmalion conduit par Raphaël Pichon, l’excellent ensemble de Denis Raisin-Dadre Doulce Mémoire. Hervé Niquet et le Concert Spirituel seront également dans le Périgord pour un programme original consacré à Monteverdi, Fabri, Striggio…
Du 23 au 28 août - www.sinfonia-en-perigord.com

Les rencontres Musicales de Vézelay, au départ axées sur le répertoire baroque, réunissent maintenant des musiciens de tous horizons. L’ensemble Ludus Modalis, dirigé par Bruno Boterf, propose un voyage dans l’Europe du 16ème siècle tandis que Pierre Cao, le maître des lieux, s’aventure dans la musique de Mozart pour interpréter le Requiem avec son chœur Arsys Bourgogne. Parallèlement on pourra assister avec une évocation par Dorothee Mields de la musique de Dowland et de Purcell au luth.
Du 25 au 28 août – www.rencontresmusicalesdevezelay.com

Les 41ème Nuits musicales d’Uzès apportent leur lot de réjouissances musicales baroques ou presque. À l’exception d’un récital d’Alexandre Tharaud consacré à Liszt et Beethoven, mais ne fut-il pas considéré il y a quelques années comme l’un des meilleurs interprètes de Rameau…, le reste du programme accueille la fine fleur du baroque comme Rinaldo Alessandrini dans du Vivaldi, Philippe Jaroussky et son ensemble Artaserse également pour du Vivaldi. La cathédrale résonnera au son de Purcell joué par La Fenice de Jean Tubéry.
Du 15 au 28 juillet – www.nuitsmusicalesuzes.org

Le festival d’Arques-la-Bataille laisse une large place à Bach, d’autant plus qu’il accueille l’Académie Bach. Pendant 4 jours, Bach est joué, est mis en parallèle avec d’autres compositeurs. Ce sera l’occasion d’entendre avec celle de Mendelssohn, Brahms, tout en écoutant le Messie de Haendel, ou bien de la musique de la Renaissance espagnole pour les « hauts instruments ».
Du 24 au 27 août – www.academie-bach.fr

Place ensuite aux heures musicales de l’Abbaye de Lessay. Ce festival incontournable donne à entendre quelques-uns des plus intéressants concerts de cet été : après un soirée inaugurale confiée à Rinaldo Alessandrini et à Vivaldi, la manifestation se poursuit avec les Arts Florissants dirigés par Paul Agnew, le Cercle de l’Harmonie et Jérémie Rohrer et surtout un récital consacré à Vivaldi donné par Hervé Niquet et le contre-ténor qui monte Damien Guillon
Du 14 juillet au 23 août

Plus originales Les Rencontres de musique médiévale du Thoronet ont un grand succès depuis 1991. Cette année le festival est axé sur le chant grégorien, comme source majeure de la musique du Moyen-âge. Les ensembles Sequentia, Basiani, Per-Sonat, Beatus et
Gilles Binchois sont attendus ainsi que les chanteuses Anne Delafosse & Anne Marie Lablaude.
Du 17 au 23 juillet – www.musiquemedievalethoronet.fr

Manon Ardouin

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

Après un hiver long et froid, le beau temps et la belle énergie du printemps nous aident à faire face aux grands bouleversements du monde en pleine révolution qui nous conduisent sur une nouvelle voie : être vrai avec nous-mêmes, aligner notre âme, notre corps et notre esprit à la vie, plus que jamais.

Il est très important d’être à l’écoute de notre corps et de nos ressentis en ces périodes de turbulences car lui aussi doit se mettre en mode « adaptation » pour être au diapason des nouvelles vibrations cosmiques et énergétiques.

La vitesse du temps réel et l’exigence de l’immédiateté sont des épreuves imposées auxquelles nous devons trouver un nouveau fonctionnement pour garder l’équilibre. Cet équilibre n’est possible que si nous nous offrons des  temps de rien, des pauses nature, des respirations pour évacuer le trop plein de stress, angoisses, pressions en tous genres.

Aujourd’hui, le bien-être physique et mental passe par le ressourcement, la rupture d’univers, le changement de rythme et d’habitudes, s’accorder du temps pour soi, une échappée belle au moins 2 fois par an. Entre temps, la méditation, le yoga, la marche en forêt, les bains de réjouissance dans la nature, les bouffées d’iode à la mer ou d’oxygène à la montagne, autant de parenthèses pour recycler ses pollutions et recharger ses batteries.

10 règles d’or pour être bien dans sa tête et dans son corps :

1) agrémenter sa journée de petits plaisirs entre les devoirs et les contraintes
2) prendre un bain de nature dans un jardin et jouir de la beauté de la création
3) s’offrir une thalasso exochic à Djerba, au Radisson Blu ou au Park Inn
4) prendre un rendez-vous sacré avec soi par semaine (massage, yoga, danse)
5) apprendre à gérer son stress par l’activité physique (footing, vélo, piscine…)
6) être juste et vrai avec soi-même, à l’écoute de sa petite voix
7) réaliser ses rêves, partir vers d’autres horizons et d’autres cultures
oser se laisser guider par ses envies profondes
9) se plonger dans la Sobriété Heureuse, de Pierre Rabbi
10) se risquer à bien vouloir se faire coacher pour évoluer

Les vacances approchent, il est temps de prendre conscience du changement qui opère en nous et en dehors de nous, d’agir dans le sens du renouveau pour se préparer à se nourrir de ses forces bienfaitrices et créatrices.

Bonnes vacances, venez goûter la Nouvelle Tunisie et découvrir ses trésors maintenant dévoilés !

www.djerbathalasso.com

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

Depuis 1973, autrement dit, la période héroïque des débuts de la thalassothérapie, Corinne Pont oeuvre à transformer l’univers du bien-être.
Avec Marie-Noëlle Veillet que CultureMag vous fera découvrir très bientôt, elle fait partie de ces pionnières qui sont les références d’un marché en plein expansion.

Esthéticienne-Cosméticienne, Masseuse de formation, Corinne Pont aime les défis, et se lance très tôt dans la création de deux instituts à Genève et Montpellier.
Son entrée au sein du Groupe Phytomer en tant que Formatrice et Démonstratrice (France, Suisse, Belgique) la conduit peu à peu vers le monde de la mer et du ressourcement marin. C’est ainsi qu’elle entre définitivement dans le monde de la Thalassothérapie dont elle contribuera à l’essor, avec la mise en place des Centres d’Aix Marlioz, Atlanthal, Serge Blanco.
Elle enrichit ses compétences au fil des ans sur le terrain et au rythme des nouvelles technologies, jusqu’à devenir une référence incontournable. De 1993 à 2009, elle porte les savoir-faire de la thalassothérapie dans l’univers de l’hôtellerie de luxe.

Ouverte sur le monde, cette franco-vietnamienne déploie son talent depuis plus de trente-cinq ans en Europe mais aussi sur d’autres continents.

De 1999 à 2002, elle part en Turquie inaugurer le premier contre de thalassothérapie du Türkiz Hôtel Thalasso Center 5* Luxe à Kemer-Antalya. Et de 2002 à 2005, elle s’envole pour l’Ile Maurice à la direction du Spa « The Sanctuary » du prestigieux Hôtel Résidence 5* Luxe. En 2008, elle part pour le Maghreb où elle dirige le Sereniy Day Spa à Tanger au Maroc

Entre 2005 et 2008, elle revient en Europe diriger les Spas du Fairplay Golf Hôtel &Spa en Espagne, du Keira Spa du Club Med à Opio en passant par Luxinov International Beauty, en tant que Consultante et Formatrice.

Quant à la Tunisie où elle œuvre maintenant au sein du groupe Utic, elle l’a découvert dès 1997 en ouvrant le centre de thalasso de l’Hôtel Résidence à Tunis, puis le centre de Thlassothérapie Tha’lion du Royal Elyssa&Spa à Monastir en Tunisie.
Enfin, en Mai 2010, elle rejoint Djerba et le Groupe UTIC, pour prendre la Direction Générale des fameux centres Athénée& Ulysse Thalasso des Hôtels Radisson Blu Resort&Thalasso et Park Inn Resort&Thalasso.

Comme dans le milieu du tourisme, la fonction de directrice de centre exige une attention et un dévouement de tous les instants. Dans le monde du bien-être  et de la thalasso, le service à la personne doit être une véritable vocation.
Dans ce domaine dont les qualités humaines sont prépondérantes, l’attention ne peut se relâcher. La permanence de la qualité des soins et des services en dépend.
Tombé sous le charme de l’île et touchée par la chaleur de ses habitants, Corinne Pont met aujourd’hui toute son énergie à garantir à la clientèle une thalassothérapie exemplaire ainsi qu’un service de spa exemplaires.

Ses dernières nouveautés méritent le détour par la belle île de Tunisie :

- les rituels Djerbiens : Menu Oriental, le Délice des dattes ….
- les ateliers marins : coaching personnalisés , relaxation marine, aquabike, aquarunning,
- les ateliers terrestres : Pilates, yoga , tai chi, parcours d’oxygénation…

Les Tunisiens, accueillants et si dépendants des touristes attendent avec impatience la venue des visiteurs qui peuvent (re)venir sans crainte.
Ulysse et Athénée Thalasso
BP.379   4128 Djerba  Tunisie
www.djerbathalasso.com

Lire aussi les 10 conseils de Corinne aux lecteurs de CultureMag, le 15 juillet 2011.

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

L’annonce promet : « grandes fêtes médiévales, mestiers et festoyances» . À Sainte-Suzanne, ancienne place forte du XIème siècle, labellisée « Petite cité de caractère»  et classée parmi les plus beaux villages de France, on ne badine pas avec le Moyen-Âge.
Du haut de leur éperon rocheux dominant le cours de l’Erve et offrant un panorama sur les collines des Coëvrons et la forêt de la Charnie, les habitants de Sainte-Suzanne mettent toute leur énergie à rendre à leur cité le lustre d’antan.

Tous les deux ans, des animations envahissent toute la cité intra-muros. Habitants costumés, métiers du Moyen-Âge, jongleurs, danseurs, comédiens et autres bateleurs investissent la cour du château, le parc du manoir, la place Hubert II, les rues et ruelles, les jardins et les espaces privés… Le cœur de la ville battra au rythme des journées du XVème siècle. On déambule d’une échoppe à l’autre pour découvrir l’art du tonnelier ou de l’émailleur, la corderie de chanvre, la forge médiévale…
Exceptionnel, on découvre aussi l’ingénierie médiévale et sa corde à treize nœuds. Une corde utilisée depuis 5000 ans pour construire les pyramides égyptiennes, un château féodal, une cathédrale et même une abbaye. Les visiteurs pourront en prime s’initier à la construction du village en torchis.

À la question « comment vivait-on au Moyen-Âge» , la réponse est donnée à travers deux campements, l’un viking, l’autre médiéval. On y découvre les jeux, l’hygiène et la santé, la cuisine, les combats, le tissage, etc.
Et puis, on n’oublie pas de descendre au jardin. Le ravissant jardin médiéval accueille les promeneurs amoureux de la nature et avides de découvrir l’art d’aménager son potager, de rencontrer les animaux locaux ou de connaître les races anciennes à protéger…

Avec force danse, chants et musiques, la fête sera menée par de joyeux drilles, troubadours, trouvères et cavaliers, jusqu’au soir où un grand banquet sera donné. Et lorsque la nuit sera enfin vraiment tombée, vendredi et samedi, Le mystère de la recouvrance de Sainte-Suzanne, comédie épique de Gilles Raab (du Centre médiéval de la Ferté Clairbois) révélera comment la Cité fut reprise aux Anglais en 1439 par Jean de  Bueil. Un grand spectacle avec plus de cinquante comédiens.

Mais Sainte-Suzanne possède d’autres atouts. On sait moins qu’elle est d’une part une capitale de l’amour car Sainte Suzanne est la Sainte patronne des fiancés, et d’autre part, à l’origine de la Poste moderne.
En effet, Fouquet de la Varenne, bâtisseur du château fut chargé par Henri IV de mettre en place l’organisation de la distribution des « courriers»  : en 1603 « les courriers»  remplacent « les chevaucheurs» , et en 1608, le « contrôleur général»  devient « général des postes» .

On ne manquera pas de visiter les alentours et notamment, la Ferté Clairbois, à deux kilomètres, où se trouve le Centre médiéval et culturel du Maine. Au coeur d’une ferté, le visiteur peut admirer la reconstitution d’un petit château-fort et assister à un spectacle de chevalerie. Gilles Raab, comédien-cascadeur, auteur du spectacle Le mystère de la recouvrance de Sainte-Suzanne, est si passionné par le Moyen-Âge qu’il a entrepris, il y a plus de 20 ans, de reconstruire à l’identique la demeure fortifiée d’un chevalier rural.
Rien n’arrête Gilles Raab pour faire découvrir à ses visiteurs la vie d’un chevalier du XIIIème siècle. Repas médiévaux servis dans la grand’salle des Lions, combats à cheval, duels, tirs à l’arc et à l’arbalète, retour de guerre du chevalier, farces, chansons…

Une bien belle destination et un exemple impeccable de mise en valeur de leur patrimoine par les habitants de Sainte-Suzanne.

Pratique :

Pour découvrir l’histoire de Sainte-Suzanne et des environs, on peut visiter le nouveau Centre d’Interprétation de l’Architecture et du Patrimoine (CIAP).
On découvre que le site est habité depuis le VIème siècle avant J-C.

Spectacle et chevalerie tours les dimanche à 15h de Pâques à la Toussaint et tous les jours en juillet et août.

Exposition temporaire « Terres de papier, cartographie ancienne»  du 8 juillet au 6 novembre 2011.

Au château de Sainte-Suzanne
1 rue Fouquet de la Varenne
53270 Sainte-Suzanne
Tél : 02 4358 13 00
chateau.ste-suzanne@cg53.fr

Journée Médiévales
Banquet : 19h le samedi
Spectacle : 22h le vendredi et le samedi

Journées : samedi à partir de 14h et dimanche à partir de 10h.

Tarif : 8 à 10€. Gratuit pour les moins de 12 ans.
14€ les deux jours.

Tél : 02 43 01 43 60
www.ste-suzanne.fr

Se loger comme au Moyen-Age

Pourquoi ne pas rester dans les parages du Centre médiéval et culturel du Maine et loger au domaine du chevalier. Une expérience inoubliable et rafraîchissante dans le donjon (il n’y a pas le chauffage). L’austérité du lieu, le petit déjeuner dans la salle commune du donjon au coin du feu et l’eau des ablutions mise à chauffer au préalable, vous aideront à endosser l’habit de seigneur de Clairbois.

Prix : 97€ par personne avec dîner et petit-déjeuner médiéval.
Tél : 02 43 01 42 15
www.ferteclairbois.com

Photo : D.-Vernier

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

L’eau de la source des Célestins à Vichy est reconnu depuis les années 30 pour ses bienfaits pour la peau et le teint.
Tout a commencé en 1931 lorsque le Docteur Haller et Georges Guérin, président des Parfums Grenoville, déduisent de l’étude physiologique de la peau qu’un soin unique ne peut convenir à toutes les femmes.  Georges Guérin constatent par lui-même l’action cicatrisante sur sa propre blessure de l’eau de la source Lucas. Le docteur Haller, médecin des centres thermaux, met tout en oeuvre pour comprendre les capacités de cette eau.
Les deux hommes commencent alors à mettre au point des soins adaptés aux différentes natures de peaux avec la double exigence de la performance et de la tolérance. La toute première gamme « dermoesthétique» segmentée par type de peau était née.

Mais les propriétés des eaux de Vichy issues des cinq sources sont reconnues depuis le XIXème siècle pour leurs vertus médicales. D’une richesse minérale exceptionnelle, ses effets sont démontrés scientifiquement (voir l’entretien avec le docteur Hanh ci-dessous).
Cette eau a jailli il y a plus de 2000 ans aux pieds des volcans d’Auvergne.
En 1846, l’eau thermale de Vichy était reconnue d’utilité publique, en 1931 elle devient l’un des actifs principaux des soins de beauté Vichy et, en 2010, la recherche a apporté les preuves scientifiques (26 exactement !) que l’eau de Vichy Célestins  apaise, fortifie et régénère les défenses naturelles de la peau.

Aujourd’hui, les curistes ont le choix entre des cures classiques remboursées par la sécurité sociale. Ces cures médicales classiques sont en vogue depuis le XIXème siècle, avec notamment la venue de l’empereur Napoléon III qui contribua à l’essor de la petite ville et à son rayonnement en suivant les cures.

En 2008, l’Institut Vichy est créé au sein du Spa Vichy des Célestins, lui-même situé dans l’hôtel**** des Célestins. Lumineux et fonctionnel, ce centre allie le côté reposant de la cure en apportant un vrai cocon aux curistes, à des protocoles de soins exclusifs adaptés à chaque type de peau.
Bains émollients, brumisations soutenues d’eau thermale rechargent la peau en minéraux et renforcent les défenses naturelles. Grâce aux laboratoires l’Oral dont dépendent le Laboratoires Vichy, l’action naturelle et unique de l’eau est associée aux meilleurs actifs issus de la pharmacie. Tout cela, couronné par la gestuelle de massage mise au point par les kinésithérapeutes permet à la peau de se régénérer et de se renforcer.
Le massage à quatre mains sous affusion est l’une des perles des soins exclusifs du spa des Célestins. Côté soins du visage, un outil ludique et assez efficace cible les besoins de la peau grâce à une analyse de l’âge réel de la peau : le dermoanalyseur. Cet appareil permet de mesurer l’indice de brillance et le niveau d’hydratation de la peau. Puis il établit un scorage des différents marqueurs de l’âge (rides, fermeté, densité) afin d’obtenir son index clinique de vieillissement.
Ce bilan permet ensuite  à la Dermo-praticienne de prescrire un protocole de soin personnalisé.

Il est important de souligner que la prestation dépasse largement celle des Spas traditionnels. Un médecin suit les visiteurs afin de leur proposer de véritables cures adaptées à leur besoin.
Les personnes séjournant à l’hôtel pourront profiter des déjeuners bio et diététiques ainsi que des petits -déjeuners bio.

Petit plus : les curistes repartent avec une carte spéciale leur donnant droit à des réductions exceptionnelles sur les produits de beauté Vichy vendus dans les pharmacie de la ville.
Nous recommandons en particulier les soins visant à réhydrater la peau comme la gamme Aqualia Thermal avec une concentration à 10% à 20% d’eau thermale, et aussi les derniers nés de la gamme : le « LiftActiv» , soin antiride et fermeté intégral. Elle intègre notamment le rhamnose, ce sucre végétal issu de plantes brésiliennes comme l’Uncaria, dont elle révèle pour la première fois son pouvoir anti-âge exceptionnel. Ces crèmes démontrent que toutes les combinaisons sont possibles, avec toujours, un puissant agent hydratant issu de l’eau de Vichy.

Trois questions à …

Docteur Thierry HANH

Le docteur Thierry HANH exerce son activité de médecin nutritionniste en médecine libérale et comme consultant auprès de l’industrie agroalimentaire et de la compagnie de Vichy. Il est investigateur et coordinateur d’études scientifiques pour différents domaines comme l’obésité, nutrition et cancer.
Bibliographie : « Maigrir en gardant la santé… pour les hommes » (2005) aux éditions Oskar. Coauteur du chapitre nutrition de la Petite Encyclopédie Médicale Hamburger (2001 et 2008) Médecine-Sciences Flammarion.

1. Qu’est-ce qu’une eau thermale ?

C’est une eau minérale dont ses propriétés spécifiques traduisent l’histoire géologique du site à travers lequel les eaux ont cheminées pour arriver jusqu’aux sources. Pour les eaux de Vichy, c’est un voyage qui dure plusieurs milliers d’années.
Les eaux thermales de Vichy sont naturellement chaudes et leurs constitutions minérales répondent à l’indication thermale de la station. Chaque source a reçu une autorisation d’exploitation par le ministère de la santé.
Cinq sources thermales à Vichy sont réservées à la cure de boisson, elles sont classées dans les eaux minérales naturellement gazeuses de type « bicarbonatées sodiques ».

2. Quelles sont les propriétés spécifiques de l’eau de Vichy ?

En boisson, la propriété des bicarbonates joue un rôle antiacide majeur équivalent aux produits pharmaceutiques de 1ère intention chez les personnes souffrant d’acidité gastrique. Notre alimentation riche en protéines acidifie de manière chronique notre sang et les bicarbonates favorisent un retour de l’équilibre acido-basique de notre organisme.
Chez le sportif, les bicarbonates limitent l’accumulation de l’acide lactique qui s’accumule dans le muscle et sont la cause de crampes. L’eau de Vichy raccourcît le temps de récupération.
L’eau de Vichy augmente de 18%  l’hydratation de la peau, c’est une des explications du « teint Célestins ». Cette action est renforcée par la présence d’une importante quantité de silice bénéfique pour la peau, les cheveux et les ongles.
Enfin, les eaux de Vichy contiennent une forte quantité de lithium qui a des propriétés apaisantes et destressantes.
En traitement externe, pour les soins de balnéothérapie, l’action des eaux de Vichy a montré des propriétés anti-inflammatoires pour la peau.
Les boues thermales dites « péloïdes » sont réalisées à partir d’algues végéto-minérales sous un flux continu d’eau thermal et sont destinées aux enveloppements.
C’est une eau « santé » par la richesse de sa minéralité.

3. Quels sont les effets constatés scientifiquement de l’eau sur les curistes. Ou autrement dit, quels est l’intérêt de suivre une cure ?

Il existe deux grandes indications thermales à Vichy :
La rhumatologie dont les études scientifiques ont montré une diminution des douleurs rhumatismales et une diminution de la prise de médicaments anti-inflammatoires. Le renouvellement annuel des cures permet d’obtenir des périodes d’accalmies avec une meilleure mobilité physique.
Les troubles du métabolisme  comprennent les problèmes digestifs mais surtout le diabète, l’hypercholestérolémie, le syndrome métabolique, le surpoids et l’obésité. Une étude récente « MaâThermes » conclut à une perte de poids durable 1 an après la cure et supérieure à celle comparée à une prise en charge exclusive en médecine de ville.
L’intérêt de suivre une cure à Vichy repose également sur une prise en charge pluridisciplinaire. Les consultations médicales pour une orientation personnalisée des soins, les consultations diététiques pour une alimentation adaptée, les kinésithérapeutes et le coach sportif pour améliorer la mobilité physique contribuent à orienter le curiste vers un changement d’habitudes de vie comme une éducation thérapeutique.

Offre spéciale aux Célestin**** Vichy Spa Hôtel

2 jours et 3 nuits pour être bien dans sa peau avant l’étape du maillot de bain.

L’ESCAPADE SLIM permet d’amorcer, le temps du séjour, une perte de poids encourageante, motivante et
d’acquérir avec plaisir et sérénité de nouvelles habitudes pour une perte de poids durable. Des soins ciblés sur
mesure, un coaching personnalisé par une équipe de professionnels de la nutrition, de l’exercice physique et de la
prise en charge psychologique au sein d’un environnement lumineux et spacieux, sont les facteurs clés de la
réussite de ce programme phare du Vichy Spa Hôtel les Célestins.

OFFRE CÉLESTIVAL valable du 1er juin au 31 août 2011
3 nuits en Chambre Deluxe en Pension Complète diététique, accueil VIP.
8 soins et prestations*
766 ! par personne au lieu de 1 006 !
Une nuit en chambre Deluxe offerte.

Au programme

»  4 soins dont 3 soins spécifiques amincissants par jour, parmi :
- le Iyashi Dôme
- l’enveloppement en thermodusation
- le bain hydromassant d’eau de Vichy aux huiles essentielles amincissantes
et 1 soin affinement de la silhouette
»  1 séance individuelle de coaching sportif
»  1 séance collective de coaching aquaforme

Conseils & Réservations : 04 70 30 82 82 (24h/24 & 7jrs/7)
Code : CÉLESTIVAL

Pratique :

Vichy Spa Hôtel Les Célestins
111 Boulevard Etats Unis
03200 Vichy
04 70 30 82 00
www.vichy-spa-hotel.fr

Lire dans CultureMag demain : Séjourner à Vichy pendant une cure… Rubrique « Patrimoine» .

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

Ravissante naissance et heureuse nouvelle : une nouvelle rose fut baptisée lors des commémorations de la première venue de Napoléon III il y a cent-cinquante,  à travers d’étourdissantes festivités organisées par l’Office de tourisme les 6, 7 au 8 mai dernier. *
Cette fête historique permit à la ville de renouer avec l’âge d’or qu’elle connut sous le Second Empire et de rendre hommage à Napoléon III.

L’occasion était trop belle de doter la prestigieuse ville d’eau d’une création de rosier tout spécial : la rose Vichy. D’un port élégant, d’une couleur raffinée, la rose Vichy® deluros, est digne d’un empereur.
Trônant parmi les réussites de la collection « Les Provinciales»  des Pépinières Delbard, elle fut baptisée en grande cérémonie à l’Opéra en présence de Claude Malhuret, maire de Vichy. Elle sera disponible à partir de l’automne prochain.

*Durant trois jours, la ville de Vichy a retrouvé le faste des fêtes du Second Empire. « Dans ses rues on pouvait croiser l’Empereur  Napoléon III (ou sa copie presque conforme) qui, voici 150 ans, vint y prendre les eaux pour la première fois et l’Impératrice, Eugénie de Montijo. Le palais et les rues grouillaient de zouaves, de membres de la Cour, de bourgeois, d’artisans et de petites mains – pâtissier, lingère ou ramoneur. Le célèbre Opéra revécut son lustre d’antan à travers des bals magiques.

La rose Vichy et la maison Delbard

La douce rose Vichy vient de ce rosier floribunda de 90 cm à port très dressé est extrêmement floribond (voir photo ci-contre).
Grâce au savoir-faire de la maison Delbard, il est vigoureux et résistant aux tâches noires et à l’oïdium.

Ses fleurs de taille moyenne (7 cm) sont d’un doux coloris rosé légèrement beige avec cinquante pétales. De forme rebondie, elles possèdent un charme qui enchantera les amateurs de jardins romantiques. Ses roses exhalent un puissant parfum de citron, apportant une grande fraîcheur à ce rosier élégant. Les boutons, d’une surprenante couleur abricot, offrent un joyeux contraste avec les tons pastel des fleurs.

La RoseVichy® fait partie de la collection Les Provinciales des Pépinières Delbard. Elle évoque par son charme ancien et son tendre coloris le raffinement du Second Empire et la douceur de vivre dans la ville thermale qui lui prête son nom.

À la suite de Georges Delbard et de sa passion folle pour l’horticulture et la nature, c’est aujourd’hui, c’est l’équipe du Centre de Recherche Yves Mazières à Commentry (Allier) qui a repris le flambeau avec passion. Ils sont les dignes héritiers de soixante-dix ans d’expériences, d’hybridation, de sélection, de greffage sur les 600 hectares de pépinières à Malicorne. La mission de cette équipe de passionnés est de créer jour après jour des rosiers plus colorés, plus généreux, parfumés et également plus résistants…

- Prix indicatif : à partir de 19,50 €.
- La rose Vichy sera disponible à partir de l’automne 2011 dans les jardineries et sur le site www.delbard-direct.fr

Article issu de CultureMag.fr : CultureMag, La culture en liberté

PARFUMÉ

À tout seigneur tout honneur, le maître de la fragrance tirée de la quintessence de la rose est sans doute Guerlain.

Guerlain est la plus belle Maison française. Depuis 1828, plus de 800 parfums jalonnent un parcours absolument unique.
Dans cette maison où le luxe est portée à son acmé, la rose a toujours inspiré la lignée des nez et des créateurs de soins.
Focus sur trois signatures d’exception aux roses les plus précieuses.

Parfum Idylle Duet Guerlain (rose bulgare – patchouli)

« Je me suis inspiré d’un poème mis en musique par Berlioz qui conte en ces mots l’histoire d’une rose : « Ce léger parfum est mon âme et j’arrive du paradis »» . Thierry WASSER, Parfumeur Guerlain.

Dernière création inédite du parfumeur Guerlain, le Duet Rose & Patchouli  a été inspiré au « nez»  de la maison, Thierry Wasser, par Les Nuit d’été, un cycle de six mélodies poétiques écrits par Hector Berlioz en 1841.
Ce nouveau jus d’exception célèbre la fusion pleine de fougue de deux notes échappées de la symphonie Idylle : le patchouli, nommé aussi « feuille d’or » en parfumerie, et les pétales de rose.

Toutes les matières employées dans les parfums de la Maison Guerlain sont précieuses et sélectionnées avec soin. Les roses viennent de Bulgarie et ont été tendrement sélectionnées par le parfumeur – ci-contre photo de Thierry Wasser parmi ses précieuses roses bulgares.

Cette communelle de roses puissantes, et très dosée, se mêle aux effluves mystérieux du patchouli sans se laisser dominer par sa puissance mâle e musquée.
Une inspiration amoureuse qui suggère la passion.
Un nouveau bouquet d’Idylle qui ne ressemble qu’à lui.

Rose Barbare

Aujourd’hui, la collection L’Art et la Matière perpétue l’excellence avec virtuosité, ambiguïté et texture. Dans cette nouvelle famille dédiée aux matières cultes, la rose s’imposait. Guerlain l’a voulue à l’opposée de tous les stéréotypes, inattendue, indomptable et actuelle.
En tête, les aldéhydes annoncent sauvagement la couleur : Rose Barbare est parfum opulent d’inspiration classique qui gomme néanmoins les clichés du fruité et du poudré. Une nouvelle éclosion pour cette rose rouge au parfum profond. Une rose dont les pétales sont couverts de chypre miellé, une rose nimbée d’un patchouli idéalement musqué. La rose barbare possède un caractère inattendu et indomptable mais aussi une fraîcheur sensuelle et spontanée. Belle, rebelle et capiteuse, elle reste épurée

Le parfum s’habille d’un flacon aux lignes épurées et contemporaines, doré sur tranche de métal comme un livre précieux.
Notes olfactives :
Floral vibrant Capiteux, incisif, somptueux
Notes de tête : aldéhydes, essence de rose
Notes de cœur : absolu de rose, fenugrec
Note de fond : miel de pêcher, patchouli, notes sous-bois.

Guerlain a créé une nouvelle gamme de soin anti-âge : Super Aqua-Sérum au Complexe « rose du désert» , la première gamme de soins hydratants au Complexe Rose du Désert, un véritable concentré de performances pour une peau résistante face au temps et aux agressions.
La Rose du Désert est une plante fabuleuse originaire du Yémen, capable de survivre sur les terres les plus arides. Cette Rose du Désert est dotée d’un véritable bouclier protecteur la préservant de l’évaporation de l’eau et des agressions extérieures. La Recherche Guerlain s’est penché sur ses capacités surprenantes à retenir l’eau et en a tiré la quintessence avec ses cellules mères.  Le Complexe Rose du Désert transmet son incroyable pouvoir anti-déshydratation à cette nouvelle génération de soins Super Aqua-Sérum.

Hautement dosée en agents hydratants et anti-âge, elle permet d’hydrater intensément, durablement et de régénérer la peau en profondeur.

La nouvelle gamme Super Aqua-Serum se compose d’un Sérum, d’un Soin Jour version confort et fraîcheur et d’un Baume Nuit Réconfortant.

NATUREL

Précieuse eau florale de rose…
Les eaux florales sont des eaux précieuses, naturellement riches en principes actifs végétaux.
Historiquement,nous utilisons surtout les plantes aromatiques (c’est-à-dire capables de produire des huiles essentielles comme la Camomille,
la Lavande…).
Mais une Eau Florale ou hydrolat peut aussi être obtenue à partir d’une plante non aromatique, comme par exemple le Bleuet.
Pour offrir à la peau ces pépites de nature active, SANOFLORE choisit le procédé d’extraction le plus respectueux des végétaux : la distillation à la vapeur d’eau. Elle permet de libérer les molécules actives des plantes sans les altérer. Eau au parfum fleuri et frais. Possède des vertues apaisantes.
L’Eau Florale de Rose Bio clarifie et illumine le teint. Ses propriétés en feront un parfait complément de votre soin anti-âge.
Aide à fixer le fond de teint en brumisant juste après l’application; en parfumer le bain, se rafraîchir…
Eau sanoflore : 7 à 8€.

Le saviez-vous ?
1. Pour obtenir 100ml
d’Eau Florale, il faut plus
de 100kg de plantes !
2. Les cosmétiques sont composés de 30 et 80% d’eau.
Sanoflore remplace au maximum cette eau purifiée non active par de l’eau «active» chargée en particules végétales, l’Eau Florale.

RAYONNANT

Un teint de rose…

Les poudres reviennent en force. Retrouvez un secret de beauté ancestral pour une beauté diaphane. CultureMag a sélectionné deux produits d’exception.

Météorites Voyage de Guerlain la quintessence de l’expertise du mélange des couleurs se réinvente dans un nouvel écrin d’exception pour reproduire sur la peau l’éclat le plus pur. Le poudrier comme orné de pétales de rose est raffiné et élégant. Mais surtout se dégage à l’ouverture une douce fragrance d’antan à la violette, l’odeur poudrée des belles élégantes d’autrefois.
Le mélange de six couleurs correctrices ou enlumineuses apporte à tous les teints lumière et matité. Le teint, unifié avec subtilité, rayonne d’un pur éclat.
Une teinte universelle (Mythic 01).

Fond de teint minéral chez Nature et Découverte
Couleur : « Beige doré»  *

Puisant dans les richesses des pigments minéraux (ocres et oxydes) et végétaux (herbes, fleurs et fruits) pour composer la plus belle des palettes de couleurs, le fond de teint minéral reste très naturel grâce aux minéraux très fins enrobés de beurre de karité qui se marient à la peau en douceur. Simplement transformés en poudre, ces pigments naturels sont la base colorante du maquillage certifié bio
Aussi doux qu’un soin, ce fond de teint formulé à base de beurre de karité prévient le dessèchement sans obstruer les pores de la peau.
La poudre minérale sublime le visage avec délicatesse et naturel pour un vrai teint de rose.

* Astuce  de maquillage : une fois travaillées au gros pinceau dans le couvercle, les nacres enrobées de karité révèlent leur éclat.
Produit certifié bio.

GOURMAND

Thé biologique aux deux roses du Sri Lanka chez Nature et Découverte

La précieuse rose de Damas en boutons, cueillie au Maroc et en Iran, parfume délicatement ce thé vert et laisse une subtile note florale qui s’épanouit dans le palais. Un thé raffiné et élégant à boire l’après-midi.

Apprécié des amateurs, ce thé vert pousse au Sri Lanka dans des jardins de thé cultivés en biodynamie, sur des terres traditionnellement dédiées à sa culture. Seuls le bourgeon et les deux feuilles qui l’accompagnent sont prélevées pour préparer ce thé rare et précieux. Un thé délicat qui se prête à de subtiles aromatisations effectuées en douceur dans un mélangeur à pales lentes.

Ingrédients : Thé vert Ceylan*, bouton rose Iran*, bouton rose Maroc*, pétales rose Maroc*.

La rose onctueuse de vos desserts

La jolie marque  provençale Aix&Terra rend hommage à la rose de bien gourmande manière. Une crème de rose artisanale entièrement naturelle, à base de pétales de roses, sucre de canne, oeufs frais et agar-agar et cuite au chaudron pour lui donner une texture soyeuse et préserver les saveurs de la fleur.

Suave et onctueuse, elle garnit à merveille des macarons et nappe joliment une glace à la vanille, une faisselle ou un brocciu corse. Un délice à savourer également sur un sablé, une crêpe, une gaufre, ou tout simplement… à la cuillère !
Exquis et fin.

En pot de 250 G.

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Un drôle d’équipage que ce train composé de wagons disparates, traînant deux voitures de l’Orient Express soi-même et se poursuivant dans des voitures d’expositions pour se finir en salons particuliers.

Le coup de sifflet a été donné par le ministre de la Culture Frédéric Mitterrand à la Gare du Nord en compagnie de Jean d’Ormesson, ou encore de Gonzague Saint-Bris ou Greg Germain, et bien sûr d’Anouk Aimée, marraine de « À vous de lire !»  2011, qui a lu le célèbre poème de Jacques Prévert « En sortant de l’école» . Cela lui donna l’occasion de rappeler avec émotion que c’était le poète qui, lorsqu’elle avait 14 ans, lui avait choisi son pseudonyme d’Aimée, alors qu’elle n’était connue au cinéma que par son seul prénom.

Frédéric Mitterrand a souligné combien le chemin de fer était « lié à la littérature» , tant par le nombre de livres qui lui sont consacrés que par la place de la lecture pendant les voyages.
« Quand on monte dans un train, on s’occupe toujours de sa correspondance» , a lancé Jean d’Ormesson après avoir récité un poème d’Aragon.

En avant pour une équipée de douze étapes du train Littératour qui fera un tour de France jusqu’au 7 juin, avec à bord une exposition « Des tablettes d’argile aux tablettes numériques»  et de nombreux écrivains.
L’exposition « Des tablettes d’argile aux tablettes numériques » retracera l’histoire de l’écrit et ses grandes révolutions, des tablettes assyriennes au papyrus, puis du parchemin au papier et du manuscrit à la presse de Gutenberg jusqu’à l’imprimerie industrielle et aux écrans tactiles. Des trésors issus de collections publiques et privées, (parchemins, manuscrits, incunables…) jalonneront l’exposition, afin de mieux faire vivre aux visiteurs la magie et les évolutions de cet objet irremplaçable qu’est le livre. Des conférences, des lectures, des ateliers et des rencontres avec des écrivains complèteront la proposition.

Événement phare de la deuxième édition de « À vous de lire !» , initiée par le même Frédéric Mitterrand en 2010, cette fête du livre, commencée le 26 a investi des centaines de lieux, des cafés aux gares en passant par les écoles ou les hôpitaux.

Embarquement immédiat pour l’histoire de l’écriture à travers les siècles. Le moment le plus touchant de l’exposition est le temps que l’on prendra pour déchiffrer la dernière lettre d’amour d’Antoine de Saint-Exupéry, exposée dans l’une des vitrines.

À vous de voir !

Pratique :

Manifestation gratuite pour tous.

Escales :
Mardi 31 mai : La Rochelle
Mercredi 01 juin : Angers Saint-Laud
Jeudi 02 juin : Rennes
Samedi 04 juin : Nantes
Dimanche 05 juin : Lille Flandres
Lundi 06 juin : Reims
Mardi 07 juin : Paris-Gare du Nord

Le programme détaillé de la manifestation, organisée notamment avec le soutien de la SNCF, de La Poste et du Centre national du livre, est disponible sur le site www.avousdelire.fr.

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Les artisans d’art ouvriront les portes de leurs ateliers afin de faire découvrir la diversité et la richesse de leurs métiers.
Ils sont les créateurs des objets de notre quotidien utilisant les matériaux nobles tout en renouvelant les formes de ces objets. Parallèlement, des artisans d’art contribuent de façon déterminante à la restauration de nos monuments, comme en témoigne, par exemple, la restauration du Parlement de Bretagne.

C’est pour distinguer l’excellence de ces professionnels que le ministère de la Culture et de la Communication a créé le titre de Maître d’art. En novembre 2010, douze nouveaux Maîtres d’art ont été nommés, portant leur nombre à cent un.
Ils assurent une transmission indispensable depuis des siècles et sont les maillons indispensables de notre patrimoine français, puis européen.

C’est aussi l’occasion pour les jeunes de découvrir les différentes filières qui forment aux métiers d’art, du compagnonnage, le plus prestigieux, à la filière artisanale organisée par les Chambres de Métiers et de l’Artisanat.

Des rencontres magiques dans toutes les régions de France avec le meilleur de l’artisanat d’art, à ne pas manquer.

À voir :

La Cité de l’Architecture et du Patrimoine de Paris accueille une exposition de prestige avec les Maîtres d’art et leurs élèves sur le thème du végétal. Elle recevra également la soirée de lancement des Journées des Métiers d’Art.

La Cité des Métiers à Paris invite le jeune public à découvrir le métier d’ébéniste à travers une exposition ludique, pédagogique et interactive.

Programme dans toute la France :

www.journeesdesmetiersdart.com
Photo : Antoine Brac de la Perrière, ébéniste © Erick Saillet.

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En conséquence, il fut la boisson des dieux et la vigne fut considérée comme un arbre sacré. Antérieure à l’Homme comme le prouvent des fossiles de soixante millions d’années découverts en Champagne, la vigne a permit d’élaborer le vin dès la plus haute antiquité, comme en attestent des pressoirs vieux de 8 000 ans découverts près de Damas.

Source de santé, d’Hippocrate  à Pasteur, l’usage du vin a toujours été recommandé pour calmer la douleur morale ou physique. Pendant deux mille ans, il fut l’antiseptique universel en médecine comme en chirurgie. On l’appliquait sur les blessures et il servait à purifier l’eau. « Quand le vin vient à manquer dit le Talmud, les drogues deviennent nécessaires. »

« Après le pain vient le vin. Il est le second aliment donné par le créateur à l’entretien de cette vie et le premier par excellence », a écrit Olivier de Serres dans son Traité d’Agriculture.

Figure de la civilisation, le vin comme le pain n’est pas un aliment brut. Il est le fruit d’une longue élaboration. Dans son ouvrage, Jean-Bernard Cahours d’Aspry dresse un panorama historique de l’évolution religieuse et sociale du vin à travers le monde, les mythologies, les légendes, l’archéologie, l’art et l’histoire, de Gilgamesh et Noé jusqu’au XXe siècle.
L’ouvrage est divisé en trois parties : L’esprit du vin, Le vin dans l’histoire, le symbolisme de la vigne et du vin.

Après avoir lu son livre, vous ne boirez plus le vin comme avant.
Charles d’Andrésy

LA VIGNE ET LE VIN, HISTOIRE, LÉGENDE ET SYMBOLISME, par Jean-Bernard Cahours d’Aspry, 332 pages, 182 illustrations noir et blanc dans le texte, 16 planches en couleur, éditions atlantica, Biarritz, 2006.

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Philippe (Philippe Katerine) est chanteur. Un soir, après un concert en province, il reçoit la visite d’une femme. Séduit, il accepte de la suivre chez elle. Et la soirée qui s’annonçait sous les meilleurs auspices va en fait tourner à la catastrophe.
Apeuré, Philippe décide de s’enfuir de la maison. Il se retrouve dans les bois en plein nuit, hagard et perdu, rencontre une ornithologue fantasque (Julie Depardieu), arrive chez ses parents (Jackie Berroyer et Aurore Clément), et se réveille le lendemain dans sa chambre d’enfant.

Entre onirisme et réalisme, entre comédie et drame, le film joue sur pléthore de paysages. L’univers esquissé, à mille lieux d’un cinéma traditionnel, puise sa force dans sa volonté à ne pas sombrer dans le poncif ou le cliché. Le monde dépeint, marqué du sceau de l’artiste Katerine, surprend et émeut.

Face à tant de décontraction et d’exubérance, le spectateur perd les balises d’ordinaire semées par les dispositifs cinématographiques. Insistance sur les silences, dialogues incohérents, plan fixes : la stratégie de Thierry Jousse pousse le regard à voir au-delà de l’image et à se défaire de ses habitudes.

Héritier pour une part de la Nouvelle Vague, et du comique absurde anglo-saxon d’autre part, Je Suis Un No Man’s Land prend le parti de déstabiliser. À l’instar du public décontenancé, Philippe ne comprend pas ce qui lui arrive. Prisonnier de ses propres incohérences et hésitations, il tente d’exister au sein du chaos ambiant.

Ses parents, ses rencontres : autant de pistes à explorer. Autant de manières de cerner sa personnalité. Ses péripéties, aussi étonnantes soient-elles ne sont que le reflet d’un individu en construction. Et la famille, l’amour et les amis sont là afin d’aider à bâtir l’homme qui naît sous nos yeux.

En somme caractériser la réalisation de Thierry Jousse pose des difficultés. Ovni atypique, contrastant avec la triste uniformité des productions actuelles, le film ose, et surtout ne prétend rien. Ici, pas d’esprit de sérieux ni de sermon. Juste un divertissement intelligent, décalé, rigoureux et qui permet le temps d’un sourire de réfléchir sur notre propre condition.

Guillaume Blacherois

Je Suis Un No Man’s Land, de Thierry Jousse.
Avec Philiipe Katerine, Julie Deapardieu, Jackie Berroyer, Aurore Clément.
Sortie nationale le 26 janvier 2010.

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Apple crumble tient ses promesses : une comédie entre « one woman show»  et fantaisie poétique écrit (avec Maxime Potherat) et joué par Camille Brunel. Elle incarne, Apple, une célibataire de 32 ans, fantasque et bonne cuisinière.
Le jour de son anniversaire, une lettre mystérieuse remise un an auparavant, suscite son imaginaire débordant. Avant de l’ouvrir, la jeune femme se répand en vaticinations et autres hypothèses entre cours de physique quantique et poésie. Les hypothèses les plus folles sont envisagées tandis que que se prépare sous nos yeux… un authentique apple crumble !

Un texte déjanté qui explore les possibilités du réel mais aussi réveille l’imagination fantasque de la petite fille qui sommeille en toute femme.

Et pendant ce temps, une délicieuse odeur de crumble s’élève dans la salle. Si, si ! Et le spectacle de se transformer en comédie olfactive.

Ce texte, assez élaboré, a été créé au Liban dans le cadre de la Mission culturelle française témoignant de la vivacité de la francophonie; une nouvelle réjouissante.

Le seul hiatus, tient à la longueur de certaines tirades scientifiques et puis à la chute, un peu décevante, mais rattrapée par la perspective de la dégustation d’un délicieux Apple crumble.

On ressortira ragaillardi par l’Apple crumble, mais étreint par une certaine nostalgie face à la solitude, au fond choisie, de cette célibataire si contemporaine.

Théâtre du Lucernaire
53 rue Notre Dame des Champs, 75006 Paris.

Du 8 Décembre 2010 au 29 Janvier 2011
du mardi au samedi à 21h.

Réservations au 01 45 44 57 34

Plein tarif : 30 euros
Tarif réduit 1 : 20 euros (séniors + de 60 ans)
Tarif réduit 2 : 15 euros (étudiants – de 26 ans)
Tarif enfant (jusqu’à 12 ans) : 10€.

Photos : Copyright : Sans Bagages.

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Les spa Deep Nature  et Algotherme ont créé un protocole pour célébrer l’année de la Russie, tout à la fois relaxant pour les muscles et l’esprit, mais tonifiant pour le corps.
Le soin commence comme il se doit par la préparation de la peau avec un gommage sucré. Un gel tiède et légèrement irisé enduit le corps pour un massage qui relance la circulation sanguine et laisse le corps relaxé.
De la plante des pieds à la racine des cheveux, le corps est travaillé à travers des lissages, points de pression ou petites frappes pour la raviver la circulation.
L’eau de soin de caviar diffusée en brune vient avec subtilité rafraîchir  la peau.
Le modelage du haut du corps détend les muscles et les tensions avant de s’occuper du visage

Les tensions sont dénouées depuis la base des pieds jusqu’ aux épaules avec une attention particulière pour les jambes, les lombaires et le dos.
Après ce voyage dans un univers chaud, la fraîcheur toute Sibérienne de l’eau de soin au caviar ravive l’éclat de la peau par sa brume rafraîchissante et les mouvements orchestrés par les instruments en bois de bouleau. Lissage, points de pression, « frappés» , un instant tonifiant qui réveille le corps.

Le soin se poursuit par un nouveau modelage « chaud»  du haut du corps des bras et du décolleté qui s’achève par un formidable modelage du visage… au caviar s’il-vous-plaît et à l’Argousier de Sibérie. Les actifs du caviar sont régénérants et reminéralisants, nourrissent et hydratent la peau en profondeur.

L’Argousier apporte quant à lui des bienfaits protecteurs contre les radicaux libres et son énergie vitalisante.

Le protocole est efficace car les clients sortent du soin régénéré et sentent les effets sur la masse musculaire pendant quelques jours.
Un joli cadeau, un peu cher mais de réelle qualité pour se préparer aux grands froids hivernaux.

Pratique :

À Paris :
Spa Deep Nature à l’hôtel Intercontinental.
En cours de restauration, la qualité de ses soins et de l’accueil est garanti par sa directrice Sylvette Payek.

2 rue Scribe.75009 Paris
Tél : 0140073232
Soin : 1h15. 140€.

www.deepnature.fr

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L’arbre de Noël

En Alsace, les fêtes de Noël s’inspirent de traditions liées au cycle des saisons; le jour de Noël, naissance du Christ dans le calendrier chrétien, étant la charnière.

Avec l’influence du protestantisme, chaque famille d’Alsace possède son arbre décoré. Une pratique populaire qui est attestée depuis XIV° et au XV° siècle. Les archives communales de l’époque mentionnent le droit pour les habitants de couper un sapin dans la forêt communale en période de Noël. Il représente l’arbre du fruit défendu du jardin d’Eden. Le sapin, qui reste vert tout l’hiver, sera orné de jolies  pommes rouges arrivant à maturité à cette période, les « Christkindle» , symbole du péché originel, et d’hosties non consacrées bien sûr, symbole de la Rédemption.

En 1858, une grande sécheresse priva les Vosges du Nord de fruits et le sapin fut privé de parures. Un souffleur de verre de Goetzenbruck, inspiré par son savoir-faire, fut le premier créateur des boules de verre. Une tradition qui traversera les cultures.

En 1964, la verrerie de Goetzenbruck mettait un terme à la fabrication industrielle des boules de Noël argentées. Depuis 1998, le Centre International d’Art Verrier (CIAV) de Meisenthal en Lorraine ressuscite et revisite cette tradition. Le centre produit selon les rituels ancestraux des boules de Noël en verre.

Au fil du temps, aux pommes et aux hosties s’ajoutèrent des fleurs en papier, des bougies (symboles de la lumière du Christ), des friandises, des jouets, des boules de verre.

C’est grâce à Louis Philippe que l’arbre de Noël alsacien fut introduit à Paris avant de se propager dans toute la France lors de la guerre de 1870 et l’immigration des Alsaciens. Une belle influence quand on songe que cette coutume s’est répandue dans le monde entier.

Noël à l’Ecomusée

Au programme : Expositions et veillées !

Venir à l’Écomusée est un voyage dans le temps, on y vit à un autre rythme, les gestes sont plus lents, mais le village est vivant aussi. Il faut s’activer pour nourrir les animaux, une chaîne alimentaire expliquée aux plus jeunes du lait (de la vache) à la fabrication du beurre. Et chaque saison apporte ses travaux ; distillerie, fenaison, vendanges…

Dans le village, les anciens métiers du début du 20ème siècle sont reconstitués : forgeron, potier, charron, pâtissier, boulanger, vannier et vous pourrez assister aux démonstrations de leur savoir-faire. Chaque maison est un lieu de vie et raconte l’histoire paysanne de cette époque.

À l’occasion de Noël, chaque artisan a confectionné son sapin ou imaginé sa crèche, vous pourrez les admirer dans leurs ateliers.

« Nativité et petites roues» 

Au Moulin de Soultz, une attendrissante exposition présente des landaus et de poussettes anciens, de la Belle Époque aux années 50, complétée par une iconographie constituée de photographies d’époque.
Ces objets et ces documents proviennent des collections de l’Écomusée ainsi que de prêts et de dons de particuliers.

Dans la Tour forte de Mulhouse (magnifiquement reconstituée) vous retrouverez exposée l’histoire des personnages de Noël en Alsace, du vieux Saint-Nicolas aux Rois Mages, le Hans Trapp ou le Christkindel.

« Le Chemin des Arbres du Paradis» 

L’histoire du sapin de Noël, des premières décorations avec des hosties non consacrées et des pommes « Christkindel»  jusqu’à celle des années 1960. Elle retrace toute l’histoire du sapin et de son ornementation.
Grâce au Centre International de l’Art du Verre de Meisenthal, une centaine de boules de Noël créent la féérie.

Cette année, le village accueille aussi la Grande Roue de l’Exposition Universelle de 1900 qui culmine à 19 mètres.
Une occasion en or de découvrir un panorama inoubliable de l’Ecomusée.

Pratique :

Écomusée d’Alsace

Ouvert tous les jours

Jusqu’au 2 janvier

Entre Mulhouse et Colmar

68 190 Ungersheim

03.89.74.44.74

De 10h à 18h

Les Veillées-spectacles

À partir de 17h

Les 28,29 et 30 décembre.

Les 1er et 2 janvier 2011 à 17h

Le dimanche 2 janvier

Veillée spectacle dédiée à l’arrivée des Rois mages

Tarifs :

Adulte : 5,50€

Enfant : 4€

Tour de Grande Roue

2€ le tour. Pour 5 billets achetés, le 6ème tour est gratuit.

Toute la journée

Place des Artisans

Hôtel « Les Loges» 

Ouvert du 27 mars au 3 novembre et du 25 novembre au 2 janvier
03.69.58.50.25

www.ecomusee-alsace.fr

www.tourisme-alsace.com

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« Paris illumine Paris» , ce sont cent-vingt-cinq rues illuminées grâce à la bonne intelligence entre la Mairie de Paris et les commerçants. En collaboration avec les filières professionnelles de la lumière.

Trois maîtres-mots président à cette mise en lumière de Paris : création – innovation – maîtrise de l’énergie. Il s’agit d’apporter un éclairage moderne fondé sur l’innovation des lumières de fêtes.

Jusqu’à la mi-janvier, les Parisiens et les visiteurs pourront découvrir le patrimoine illuminé et les commerces parés pour attirer le chaland plus que jamais.

La plus belle réussite de ces illuminations tient au respect de la personnalité de chaque quartier, avec en plus, un programme innovant et économe en énergie.
Les concepteurs et installateurs de lumière ont travaillé sur chaque rue de manière à proposer la solution et la création la plus adaptée.
Cette année, les ampoules ont été remplacées par des leds permettant d’économiser, paraît-il, 50% d’énergie.

150 kilomètres de rues illuminées, voilà un grand but de promenade parisienne, sous la neige.

Découvrez le parcours sur : www.parisillumineparis.fr

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Originaires des quatre coins du monde, les virtuoses se succèdent sur la piste. Les Chinois, disciplinés et techniques, avec leur incroyable pas de deux qui défie toutes les lois de la pesanteur, le poétique et aérien duo russe Nostalgia, le numéro très viril des « Diablos de la Pampa» , avec un agrès et des percussions, nous rappelle que le cirque est apparu en Argentine dès le XVIIIème siècle, le duo français Maintenant qui conjugue grâce, virtuosité et sensualité…
Les contorsionnistes éthiopiennes, aussi véloces que les lézards et aussi souples que les serpents, sont impressionnantes, au point de nous faire froid dans le dos.

Le spectacle place la barre assez haut, sauf quand les élèves de l’école de cirque  de Kiev s’emmêlent dans leurs cordes à sauter, et notons aussi qu’il est un peu dommage de mettre sur le même plan des danseurs colombiens avec une danse agressive alternative à la danse hip hop, le krumping, et de grands artistes du cirque. Sans minimiser leur talent, la prestation n’est pas du même ordre, tant s’en faut.

Malheureusement, Monsieur Loyal n’existe pas dans ce cirque moderne un peu aseptisé. Il est remplacé par Extra, une abeille en 3D relief, qui établit le lien entre les numéros avec un scénario assez niais et moralisateur (du genre notre ancêtre Lucie aurait été noire, donc tous nos ancêtres l’auraient été» ; le préchi-prêcha sur la planète…) dont le seul mérite tient au message basique « le cirque est mieux que tes jeux vidéo» .

Restent malgré ces quelques fausses notes, bien excusables, d’intenses moment de rire, d’émotions, d’admiration… Un déploiement de talents qui laisse des étoiles plein les yeux.

Pratique :

Cirque Phénix
Pelouse de ReuillyDdu 21 novembre 2010 au 9 janvier 2011.
Séances : vendredi à 21H00 | samedi à 20H30 | vendredi à 20H00 | samedi à 16H00 | mardi, mercredi, jeudi, vendredi, dimanche à 15H00 | mercredi, samedi, dimanche à 14H00.
Tarifs : 34,50-53,50 € tarif plein ou 34,50-53,50 € tarif adhérent.

En tournée en province en janvier et février 2011.

www.cirquephenix.com

Photos : DuoNostalgia (Russie)
AricaQueens (Ethiopie) ©yan-forhan.

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Des tonnes de foie gras, des milliers d’hectolitres de vin de Champagne, un vieux papy goguenard, habillé de rouge et de blanc, pour mieux apparaître comme le sous produit d’une marque de soda, des cadeaux clinquants fabriqués en Asie, voilà donc le nouvel esprit de Noël. Les grands médias, les agences de pub et les libéraux de tout poil se montrent les promoteurs toujours plus efficaces d’une société de consommation qui finira tôt ou tard par mourir d’indigestion.

Mais l’argent n’explique pas tout.

L’idéologie continue sournoisement à faire ses ravages. L’étendard du sacro-saint dogme de la laïcité est régulièrement brandi pour séculariser le 25 décembre.

La crèche aménagée sur le parvis de l’Hôtel de Ville, à  Paris, avec son interminable file d’attente d’enfants et de parents a disparu depuis longtemps.
Exclu de la sphère du « politiquement correct » par nos édiles parisiens, le spectacle de l’étable de Bethléem a été progressivement banni des devantures et vitrines des magasins grands ou petits de la capitale.
Mais, si aucune compromission ne saurait désormais être tolérée avec l’insoutenable image du petit Jésus couché sur de la paille entre un âne et un boeuf… cette sourcilleuse vigilance anti confessionnelle ne s’applique pas dans la probe conscience du maire de Paris lorsqu’il invite chaque année ses 42 000 fonctionnaires à venir célébrer la fin du ramadan au cours d’une soirée orchestrée au théâtre du Châtelet, mis gracieusement à la disposition d’une organisation religieuse dont certains membres demandent déjà la disparition des sapins de Noël dans les garderies et écoles de la capitale, récurrente et intolérable évocation à la naissance de l’Enfant de la crèche.

Mi-décembre, le petit village de Montiers, dans l’Oise, a vu aboutir devant le tribunal administratif d’Amiens, une requête déposée par son ancien maire visant à interdire au nom de la laïcité l’installation d’une crèche sur l’unique place de ce bourg de 450 habitants. Fier de son succès, ce vertueux citoyen demande à présent au préfet de faire exécuter la décision…

Paris comme Montiers ne sont heureusement pas au centre du monde, et encore moins de la France.

Qui a cure en Alsace ou en Lorraine de la censure exercée par ces grands prêtres du laïcisme animés davantage par des arrières pensées démagogiques ou rancunières ? Chaque 6 décembre, saint Nicolas et son âne défilent avec le concours des autorités civiles et sous les applaudissements de la population dans les rues de Metz, Nancy, Épinal, Strasbourg et dans bien d’autres localités. Quant à Saint-Nicolas-de-Port, l’épicentre du culte rendu à l’évêque de Myre, au son de la fanfare municipale, deux à trois mille personnes investissent chaque année la basilique devenue trop étroite, renouant avec une tradition vieille de plus de cinq siècles, faisant vivre économiquement la cité durant plusieurs jours.

Pour clore une liste qui pourrait être plus longue, à Lyon, la « fête des Lumières » du 8 décembre ne parvient toujours pas à masquer la fête de l’Immaculée Conception dont elle tire l’origine de son existence… et de son succès.

Mais c’est en terre provençale que se perpétue plus qu’ailleurs l’authentique esprit de Noël.

(voir notre article « Noël en Provence»  dans la rubrique « Voyage»  de CutlureMag).

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« Le»  Saint Nicolas, comme l’appellent les Alsaciens et les Lorrains est connu comme le protecteur des faibles, des enfants, des prisonniers, mais aussi des avocats, des écoliers, de la Russie.
Et bien sûr, il est le saint patron de la Lorraine depuis 1477, et donc de Nancy sa capitale, qui revêt ses habits de fête à l’approche de la fête du grand saint.

La ville de Nancy sort les grands moyens pour l’occasion : le samedi précédent la fête, spectacle pyrotechnique de belle envergure sur la place Stanislas, son et lumières autour de la légende du saint, musique…
Et le dimanche précédant le 6 décembre, place à la parade dont les chars rappellent les divers patronages du saint ainsi que les fédérations d’artisans de la ville s’associant à l’évènement. Les pâtissiers et les chocolatiers en particulier rivalisent de talent pour proposer les pains d’épices et les chocolats à l’effigie du saint Nicolas.

Les petits enfants sont à la fête car c’est l’occasion de recevoir bonbons et friandises avant Noël. Présents apportés par le saint Nicolas lui-même ! Enfin, pas « tous»  les enfants,  car ceux qui n’ont pas été sages risquent de recevoir la visite du Père Fouettard, fidèle compagnon du saint.
Une tradition qui montre que ce personnage barbu et vêtu de rouge n’est autre que l’inspirateur de la figure – bien pâlotte à côté – du Père Noël, création de Coca-Cola !!!

Certes la tradition est plutôt du nord-est mais qui n’a jamais entendu parler de « ces trois petits enfants qui s’en allaient glaner»  aux champs ? Ces enfants qu’un méchant boucher tua, découpa et remisa dans le saloir ? Ces enfants que le grand saint Nicolas délivra après sept ans de sommeil ? La légende des trois glaneurs demeure la plus connue.
Mais parmi la multitudes des légendes, celle du Sire de Réchicourt, Croisé fait prisonnier en Palestine, et délivré miraculeusement par saint Nicolas après plusieurs années de captivité, est aussi fameuse; ou encore celle de l’Église de Munster…

Ces jolies histoire ne font pas oublier le « vrai»  saint Nicolas historique. A quelques kilomètres de Nancy, une relique est conservée dans la basilique de Saint-Nicolas-de-Port. Vers la fin du XIème siècle, un Lorrain, Aubert de Varangéville rapporte de Bari une phalange du saint à Port, un village de la Meurthe.
Une vaste basilique est alors édifiée en 1093 pour accueillir la précieuse relique.

Une nuit du 5 au 6 décembre 1240, le seigneur de Réchicourt s’endort dans son cachot de Palestine… et se réveille au pied de la basilique.

Depuis lors, une procession aux flambeaux d’action de grâce est organisée chaque année, le samedi le plus proche du 6 décembre.
Pour cette 765ème édition, la ferveur n’a pas faibli, et le chant tutélaire a retenti sous les voûtes de la basilique :

« Saint Nicolas, ton crédit d’âge en âge
A fait pleuvoir tes bienfaits souverains
Viens, couvre encore de ton doux patronage,
Tes vieux amis, les enfants des Lorrains…» 

Cette année encore, les pèlerins sont venus de l’Europe entière pour célébrer le saint et recevoir à la fin de la cérémonie « la manne» , l’huile miraculeuse qui s’écoule encore du tombeau du saint.

La saint Nicolas est l’une des plus belles portes d’entrée au mystère de Noël qui vient.
Des fêtes à vivre avec une intensité particulière en Lorraine.

Le saint Nicolas historique :

Nicolas naît en 270 en Turquie. À la mort de l’évêque de Myre, Nicolas est désigné comme un successeur providentiel. Elu en 303, il se distingue par sa sollicitude envers le peuple qu’il sauve de la famine et du poids excessif des impôts.
Il défendit la foi au Concile de Nicée, il lutta pour protéger les chrétiens persécutés par l’empereur  Dioclétien.
Il mourut vers 340 dans la cité portuaire de Myre en Asie Mineure, victime de la persécution de soldats romains.

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Pour être inscrits sur Liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l’humanité, les éléments doivent répondre à une série de critères dont celui de contribuer à faire connaître le patrimoine culturel immatériel et de favoriser la prise de conscience de son importance. Les candidats à l’inscription doivent aussi justifier des mesures de sauvegarde prises pour assurer leur viabilité.

Voici la liste présentée par l’UNESCO :

Le symbolisme et le savoir-faire des Khachkars, croix de pierre arméniennes  (Arménie)

Ces croix traditionnelles arméniennes, ou Khachkars, sont les dernières à être entrée dans le patrimoine immatériel de l’UNESCO, le 17 novembre 2010.
Le Khachkar est une stèle érigée en plein air, sculptée dans la pierre par des artisans en Arménie et au sein des communautés de la diaspora arménienne. Il sert, entre autres, de point focal du culte, de pierre commémorative et de relique facilitant la communication entre séculier et divin. Le Khachkar atteint 1,50 mètres de hauteur avec, en son centre, une croix sculptée de manière ornementale, reposant sur le symbole du soleil ou de la roue de l’éternité, accompagnée de motifs géométriques végétaux, d’animaux et de personnages sculptés dans la pierre. Les Khachkars sont généralement taillés dans la pierre de la région et sculptés à l’aide d’un burin, d’une gouge, d’une pointe fine et d’un marteau. Puis les motifs sculptés sont polis au sable fin. Les petites cassures et les irrégularités sont estompées avec du plâtre d’argile ou de la chaux, puis l’ensemble est peint. Une fois terminé, le Khachkar est mis en place lors d’une petite cérémonie religieuse. Après avoir été béni et consacré, le Khachkar est supposé posséder des pouvoirs sacrés et peut apporter une aide, une protection, une victoire, une longue vie, une mémoire et une médiation pour le salut de l’âme. Sur plus de 50 000 Khachkars en Arménie, chacun a sa propre composition et il n’y en a pas deux pareils. Le savoir-faire des Khachkars se transmet en famille ou du maître à l’apprenti, par l’enseignement des méthodes et des motifs traditionnels tout en encourageant le particularisme régional et l’improvisation individuelle.

Azerbaïdjan – L’art traditionnel du tissage du tapis azerbaïdjanais dans la République d’Azerbaïdjan

Le tapis azerbaïdjanais est un textile traditionnel fait à la main en plusieurs dimensions, à la texture dense, noué ou tissé, dont les motifs sont caractéristiques des nombreuses régions de fabrication de tapis azerbaïdjanais. La fabrication de tapis est une tradition familiale qui se transmet oralement et par la pratique. Les hommes tondent les moutons au printemps et à l’automne, tandis que les femmes récoltent les colorants, filent la laine et teignent le fil au printemps, en été et en automne. Le tissage est exécuté pendant l’hiver par les membres féminins du cercle familial élargi, les filles apprenant à tisser avec leur mère et leur grand-mère et les brus avec leur belle-mère. Le tapis est confectionné sur un métier à tisser horizontal ou vertical à l’aide de fils de laine, de coton ou de soie multicolores teints avec des colorants naturels. En appliquant des techniques particulières aux tapis noués, les tisserands passent un fil qu’ils nouent autour des fils de chaîne. Les tapis tissés sont diversement faits d’entrelacs de chaînes de structure, de trames et de trames de motifs. La découpe d’un tapis fini sur le métier à tisser est une célébration d’une rare solennité. Le tissage du tapis est étroitement lié à la vie quotidienne et aux coutumes des communautés concernées, et son rôle se reflète dans la signification des compositions et de leurs applications. Ainsi, des filles assises sur un tapis disent la bonne aventure et chantent des airs traditionnels lors du Novruz (le Nouvel An régional). Le tapis est largement utilisé comme pièce d’ameublement ou décoration murale, et des tapis spéciaux sont tissés pour des traitements médicaux, des cérémonies nuptiales, la naissance d’un enfant, des rituels funéraires et pour la prière.

Belgique – Le carnaval d’Alost

Le Carnaval d’Alost, qui se déroule chaque année pendant trois jours à compter du dimanche qui précède le carême chrétien, est l’aboutissement d’une année de préparation par les habitants de cette ville située en Flandre orientale, dans le nord de la Belgique. Placées sous le signe de l’exubérance et de la parodie, les festivités sont marquées par la proclamation symbolique du Prince du Carnaval comme maire de la ville d’Alost, lequel s’en voit remettre la clé au cours d’une cérémonie destinée à tourner en ridicule les hommes politiques de la ville ; une procession d’effigies de géants et de « Bayard », le cheval de la légende de Charlemagne ; une danse des balais sur la place du marché central pour chasser les fantômes de l’hiver ; une parade de jeunes gens travestis en femmes, avec des corsets, des landaus et des parapluies cassés ; et le rituel final pendant lequel l’effigie de Carnaval est brûlée en grande pompe – sous les cris des carnavaliers qui prétendent vouloir poursuivre la fête durant toute la nuit. Outre les participants officiels avec leurs chars dont la fabrication a été réalisée avec beaucoup de minutie, des groupes non officiels s’associent aux festivités en présentant, sur le mode de la dérision, leurs interprétations des événements locaux et internationaux de l’année écoulée. Ce rituel vieux de 600 ans, qui attire quelque 100 000 spectateurs, est l’expression d’un effort collectif de toutes les classes sociales, de même qu’un symbole de l’identité de la ville dans la région. En constante recréation par les nouvelles générations, l’atmosphère de rire collectif et d’humour légèrement subversif qui est caractéristique de ce carnaval séculaire est l’occasion de célébrer l’unité de la ville d’Alost.

Belgique – Houtem Jaarmarkt, foire annuelle d’hiver et marché aux bestiaux à Hautem-Saint-Liévin

Houtem Jaarmarkt est une foire commerciale annuelle qui a lieu dans le village de Sint-Lievens-Houtem, de la province belge du sud-est de Flandre Orientale. Chaque année, les 11 et 12 novembre, le village devient le lieu du dernier grand marché de plein air du pays où se pratique le commerce du bétail et des chevaux pur sang. Des centaines de négociants exposent fièrement leurs animaux devant les juges, leurs collègues négociants, les agriculteurs et des milliers de visiteurs enthousiastes. Des gens viennent de tout le pays pour rencontrer les 500 exposants et autres négociants : expérimenter, voir, toucher et acheter des machines agricoles ou des animaux et assister à des transactions qui font encore appel à des techniques de négociation ancestrales, comme le battement de mains. Avec plus de 600 chevaux et 1 200 vaches à vendre, la foire représente une date cruciale sur le calendrier et pour l’identité des professionnels du commerce de bétail. Chaque année, une région étrangère différente est invitée à présenter ses attractions, ses produits régionaux et son artisanat à la foire, ce qui permet aux éleveurs de bétail, aux agriculteurs et aux artisans de différentes nations de se rencontrer et d’échanger leurs impressions. La foire et le marché ont un énorme impact sur la communauté locale, les maisons privées étant converties en lieux publics où l’on vient avec plaisir écouter de la musique, boire et manger. Pendant ces deux jours, tout le village se transforme en un lieu ouvert et accueillant.

Belgique -  Les Krakelingen et le Tonnekensbrand, fête du feu et du pain de la fin de l’hiver à Grammont

La ville de Geraardsbergen organise sa foire annuelle le premier lundi de mars et célèbre la fin de l’hiver le dimanche huit jours plus tôt, avec le festival des Krakelingen et du Tonnekensbrand. Dans les jours qui précèdent, les commerçants décorent leurs vitrines, les boulangers font des petits pains spéciaux en forme d’anneau qu’on appelle les krakelingen, et les maîtres d’école racontent la légende expliquant les origines du rituel. Le jour de la fête, un cortège d’un millier de personnes part de l’église de Hunnegem avec, à sa tête, le doyen de l’église et les conseillers municipaux en costume d’époque. Apportant le pain, le vin, les poissons et le feu, les participants se dirigent vers le haut de la colline Oudenberg jusqu’à la chapelle Sainte-Marie. À l’intérieur, le doyen bénit les krakelingen et récite une prière. Puis les autorités religieuses et laïques boivent une gorgée de vin dans un gobelet d’argent du XVIe siècle contenant un petit poisson vivant, une coutume qui est récemment devenue controversée. Ensuite elles lancent dix mille krakelingen dans la foule, dont l’un renferme un billet gagnant. Le trophée est un bijou en or spécialement créé pour l’occasion. À la tombée de la nuit, les gens se rassemblent à nouveau en haut de la colline où ils allument un tonneau en bois, le Tonnekensbrand, pour célébrer l’arrivée du printemps. Les spectateurs redescendent la colline, une torche brûlante à la main, pour amener la lumière au cœur de la ville. Le rituel festif donne à ses participants un sens aigu de la continuité et une conscience du passé, en évoquant des événements et des légendes historiques qui se transmettent de génération en génération.

Chine – L’acupuncture et la moxibustion de la médecine traditionnelle chinoise

L’acupuncture et la moxibustion sont des formes de la médecine traditionnelle chinoise dont la pratique est largement répandue en Chine, mais aussi dans les régions du sud-est asiatique, en Europe et en Amérique. Les théories relatives à l’acupuncture et à la moxibustion soutiennent que le corps humain représente un petit univers relié par des canaux qui, au moyen d’une stimulation physique, permettent au praticien de tonifier les fonctions autorégulatrices de l’organisme et d’apporter la santé au patient. Cette stimulation consiste à brûler du moxa (armoise) ou à poser des aiguilles sur les points situés sur ces canaux dans le but de restaurer l’équilibre du corps et de prévenir et traiter le mal. En acupuncture, les aiguilles sont sélectionnées selon la condition de l’individu et servent à piquer et stimuler les points choisis. La moxibustion est généralement divisée en moxibustion directe et indirecte ; l’une se pratique en plaçant directement les cônes de moxa sur les points, l’autre en tenant un bâtonnet de moxa à une certaine distance de la surface du corps pour réchauffer un point précis. Les cônes et les bâtonnets de moxa sont fabriqués avec des feuilles d’armoise séchées. L’apprentissage de l’acupuncture et de la moxibustion se fait par l’instruction orale et la démonstration, et est transmis à travers la relation maître-disciple ou par l’intermédiaire des membres d’un clan. À l’heure actuelle, la pratique de l’acupuncture et de la moxibustion se transmet également par la voie de l’éducation formelle dispensée à l’université.

Chine – L’opéra de Pékin

L’opéra de Pékin est un art du spectacle intégrant le chant, le récit, le mouvement, les arts martiaux. Bien que sa pratique soit largement répandue dans toute la Chine, ses centres de représentation sont Beijing, Tianjin et Shanghai. L’opéra de Pékin est chanté et récité principalement dans le dialecte de Beijing attache une grande importance à la rime. Ses livrets sont composés selon un ensemble de règles strictes qui mettent en valeur la rime et le rythme. Ils évoquent l’histoire, la politique, la société et la vie quotidienne, et se veulent aussi instructifs que divertissants. La musique de l’opéra de Pékin joue un rôle primordial en imprimant le rythme du spectacle, en créant une ambiance particulière, en façonnant les personnages et en guidant le fil du récit. La « musique civile » privilégie les instruments à cordes et à vent comme le jinghu, à la forme délicate et au son aigu, et la flûte dizi, tandis que la « musique militaire » est représentée par le jeu des percussions, tels que le bangu ou le daluo. L’interprétation se caractérise par son style symbolique et ritualisé, avec des acteurs et des actrices qui suivent une chorégraphie établie pour les mouvements des mains, des yeux, des torses et des pieds. Traditionnellement, les décors scéniques et les accessoires sont réduits au minimum. Les costumes sont flamboyants ; le maquillage outrancier du visage utilise des symboles, des couleurs et des motifs concis pour révéler la personnalité et l’identité sociale des personnages. L’opéra de Pékin se transmet essentiellement par l’apprentissage de maître à élève où l’élève acquiert les compétences élémentaires au moyen de l’instruction orale, de l’observation et de l’imitation. L’opéra de Pékin est considéré comme l’expression de l’idéal esthétique de l’opéra dans la société chinoise traditionnelle et demeure un élément largement reconnu du patrimoine culturel du pays.

Colombie – La musique Marimba et les chants traditionnels de la région sud du Pacifique colombien

La musique Marimba et les chants traditionnels de la région sud du Pacifique colombien font partie du patrimoine des groupes afro-colombiens des départements de Valle del Cauca, Cauca et Nariño. Le chant des femmes et des hommes (cantadoras et chureadores) se mêle au son des instruments acoustiques fabriqués à la main avec les matériaux locaux : le bois de palmier pour les Marimbas, le bois et le cuir pour les tambours graves et joués à la main, et le bambou et les graines pour les hochets. Cette musique se joue principalement au cours de quatre rituels : Arrullo, Currulao, Chigualo et Alabao. L’Arrullo est un rituel de vénération des saints que dirigent les femmes qui préparent les saints, les bougies et les autels et interprètent des chants au son du tambour et, à l’occasion, des Marimbas. Le Currulao (ou danse Marimba) est un événement festif. Les hommes jouent de la Marimba et interprètent des chants profanes, tandis que les gens chantent, dansent, mangent, boivent, et racontent des histoires. Le Chigualo est une veillée qui suit la mort d’un petit enfant. Le corps est recouvert de fleurs et des chants a cappella sont exécutés autour du défunt. L’Alabao est la veillée funèbre d’un adulte où l’on chante aussi a cappella des chants extrêmement tristes. La connaissance musicale de ces traditions se transmet oralement de génération en génération, les jeunes exécutants étant guidés par des musiciens plus expérimentés. Avec un fort pourcentage de la population afro-colombienne de la région ayant émigré vers les zones urbaines au cours des dernières décennies, son patrimoine musical demeure une source importante d’identité communautaire, que ce soit dans ses villages d’origine ou en ville.

Colombie – Le système normatif Wayuu, appliqué par le Pütchipü’üi (palabrero)

La communauté Wayuu est établie dans la péninsule de la Guajira qui s’étend de la Colombie au Venezuela. Son système législatif forme un ensemble de principes, de procédures et de rites qui régulent la conduite sociale et spirituelle de la communauté. Inspiré des principes de réparation et de compensation, le système est appliqué par les autorités morales locales, les Pütchipü’üi ou palabreros (orateurs), qui sont expertes dans le règlement des conflits et des désaccords entre les clans matrilinéaires locaux. Quand se pose un problème, l’intervention du Pütchipü’üi est sollicitée par les deux parties en conflit, l’offenseur et l’offensé. Après avoir analysé la situation, le Pütchipü’üi informe les autorités concernées de son intention de résoudre le conflit de manière pacifique. Si la parole – Pütchikalü – est acceptée, le dialogue s’établit en présence du Pütchipü’üi qui agit avec diplomatie, prudence et intelligence. Le système de compensation emploie le symbolisme, représenté essentiellement par l’offrande de colliers faits de pierres précieuses ou le sacrifice de bétail, de moutons et de chèvres. Même les crimes les plus graves sont compensés, les compensations étant remises lors de cérémonies particulières auxquelles sont invitées les familles en conflit afin de rétablir l’harmonie sociale à travers la réconciliation. Le Pütchipü’üi acquiert son rôle de par sa condition d’oncle maternel – un rôle honoré dans le système Wayuu des clans matrilinéaires – et en possédant un caractère fondé sur l’éthique et la morale.

Croatie – L’art du pain d’épices en Croatie du Nord

La tradition de la fabrication du pain d’épices est apparue au Moyen Âge dans certains monastères européens et a gagné la Croatie où elle est devenue un art. Les pain-d’épiciers qui faisaient aussi du miel et des bougies, travaillaient dans le Nord de la Croatie. Le procédé de fabrication du pain d’épices requiert habileté et rapidité. La recette est la même pour tous les fabricants qui mettent de la farine, du sucre, de l’eau et du bicarbonate de soude ainsi que les épices obligatoires. Le pain d’épices est façonné dans des moules, cuit, séché et peint à l’aide de colorants alimentaires. Chaque artisan décore le pain d’épices à sa façon, en y appliquant souvent des images, de petits miroirs et des vers ou des messages. Le pain d’épices en forme de cœur est le motif le plus courant et il est fréquemment préparé pour des mariages, décoré avec le nom des nouveaux mariés et la date du mariage. Chaque pain-d’épicier travaille dans un certain domaine sans interférer avec celui d’un autre artisan. L’art se transmet d’une génération à l’autre depuis des siècles, initialement aux hommes, mais maintenant aussi bien aux hommes qu’aux femmes. Le pain d’épices est devenu l’un des symboles les plus reconnaissables de l’identité croate. De nos jours, les pain-d’épiciers sont les participants les plus importants aux festivités, événements et rassemblements locaux, procurant à la population locale un sentiment d’identité et de continuité.

Croatie – Le Sinjska Alka, un tournoi de chevalerie à Sinj

Le Sinjska Alka est un tournoi de chevalerie qui se déroule tous les ans depuis le XVIIIe siècle dans la ville de Sinj dans la région de Cetinska krajina. La joute consiste pour les chevaliers à lancer leur cheval au galop dans l’une des rues principales de la ville en visant de leur lance un anneau de fer suspendu à une corde. Le nom du tournoi vient de l’alka ou anneau, un mot dont les origines turques reflètent la co-existence historique et les échanges culturels entre les deux civilisations. Les règles du tournoi, codifiées dans un règlement datant de 1833, prônent des valeurs éthiques et le fair play ; elles insistent sur l’importance de la participation à la vie de la communauté. Les participants doivent appartenir à des familles de Sinj et de la région de Cetinska krajina. L’ensemble de la communauté participe à la fabrication, la conservation, la restauration et la reconstitution des armes, des vêtements et des accessoires, afin de soutenir la perpétuation de la tradition. Des pratiques religieuses locales, des rassemblements sociaux, des visites familiales et des festivités dans l’intimité du foyer et à l’extérieur sont intimement liés au tournoi. Le Sinjska Alka est l’unique exemple qui perdure des anciennes joutes médiévales entre chevaliers qui ont eu lieu régulièrement dans les villes côtières croates jusqu’au XIXe siècle. Il est devenu une référence de l’histoire locale et un moyen de transmettre la mémoire collective d’une génération à l’autre.

République tchèque – Les défilés de porte-à-porte et masques des Jours gras dans les villages de la région de Hlinecko

Les défilés des Jours gras ont lieu dans la ville de Hlinsko et dans six villages voisins des environs de la région de Hlinecko en Bohême orientale sur le territoire de la République tchèque. Cette coutume populaire du carnaval a lieu à la fin de l’hiver, pendant les Jours gras – période qui précède le Carême chrétien. Les hommes et les garçons des villages, déguisés avec des masques représentant des personnages traditionnels (masques rouges pour les garçons célibataires et noirs pour les hommes mariés) font du porte-à-porte tout autour du village, accompagnés d’une fanfare. Le défilé s’arrête à chaque maison et quatre hommes exécutent une danse rituelle, avec la permission du maître de maison, pour assurer une bonne récolte et la prospérité pour la famille. En échange, les porteurs de masques reçoivent des cadeaux et collectent de l’argent. Un rituel symbolique de « mise à mort de la jument » se déroule après la visite de la dernière maison, rituel au cours duquel une jument est condamnée pour ses péchés présumés et où l’on donne lecture d’un testament humoristique sur des événements d’actualité. Après avoir procédé à l’« exécution » de la jument, les masques lui redonnent vie avec de l’alcool, ce qui marque le commencement d’une danse où ils gambadent avec les spectateurs. Les défilés des Jours gras – interdits tour à tour par l’Église catholique aux XVIIIe et XIXe siècles, et par le régime socialiste au XXe siècle – jouent un rôle important en maintenant la cohésion au sein de la communauté villageoise. Les jeunes gens et les enfants aident aux préparatifs et les parents confectionnent des copies de masques traditionnels pour leurs fils.

France – Le compagnonnage, réseau de transmission des savoirs et des identités par le métier

Le système français du compagnonnage est un moyen unique de transmettre des savoirs et savoir-faire liés aux métiers de la pierre, du bois, du métal, du cuir et des textiles ainsi qu’aux métiers de bouche. Son originalité tient à la synthèse de méthodes et procédés de transmission des savoirs extrêmement variés : itinérance éducative à l’échelle nationale (période dite du « Tour de France ») voire internationale, rituels d’initiation, enseignement scolaire, apprentissage coutumier et technique. Le mouvement du compagnonnage concerne près de 45 000 personnes qui appartiennent à l’un des trois groupes de compagnons. Les jeunes à partir de 16 ans qui veulent apprendre et/ou développer leurs compétences dans un métier donné peuvent demander à rejoindre une communauté de compagnons. La formation dure en moyenne cinq ans pendant lesquels l’apprenti change régulièrement de ville, en France et à l’étranger, pour découvrir divers types de savoirs et diverses méthodes de transmission de ces savoirs. Pour pouvoir transmettre son savoir, l’apprenti doit produire un « chef-d’œuvre » qui est examiné et évalué par les compagnons. Le compagnonnage est généralement perçu comme étant le dernier mouvement à pratiquer et enseigner certaines techniques professionnelles anciennes, à assurer une formation à l’excellence dans le métier, à lier étroitement développement de l’individu et apprentissage du métier et à pratiquer des rites d’initiation propres au métier.

France – Le savoir-faire de la dentelle au point d’Alençon

Le point d’Alençon est une technique rare de production de dentelle à l’aiguille, pratiquée à Alençon en Normandie dans le Nord-Ouest de la France. La dentelle au point d’Alençon doit son caractère singulier au haut niveau de savoir-faire requis et au temps très long qu’il faut pour la produire (sept heures par centimètre carré). Les pièces de textile ajouré réalisées selon cette technique sont utilisées à des fins d’ornementation civile ou religieuse. La pièce est composée de motifs raccordés entre eux par un réseau très fin. Son exécution nécessite plusieurs étapes successives : le dessin et le piquage du motif sur le parchemin, la réalisation de la base des motifs et des mailles transparentes en arrière plan, puis les points représentatifs des décors, les remplis pour créer des ombres, diverses modes décoratives, et enfin les brodes pour donner le relief. Interviennent ensuite le levage pour détacher la dentelle du parchemin à l’aide d’une lame de rasoir, l’éboutage et enfin le luchage qui consiste à polir les remplis à l’aide d’une pince de homard. Chaque dentellière connaît toutes les étapes de réalisation de la dentelle et ce savoir ne peut être transmis que par l’apprentissage pratique. Pour maîtriser totalement la technique du point d’Alençon, il faut entre sept et dix ans de formation. L’apprentissage, qui suppose un lien étroit entre la dentellière spécialisée et l’apprentie, repose exclusivement sur la transmission orale et l’enseignement pratique.

France – Le repas gastronomique des Français

Le repas gastronomique des Français est une pratique sociale coutumière destinée à célébrer les moments les plus importants de la vie des individus et des groupes, tels que naissances, mariages, anniversaires, succès et retrouvailles. Il s’agit d’un repas festif dont les convives pratiquent, pour cette occasion, l’art du « bien manger » et du « bien boire ». Le repas gastronomique met l’accent sur le fait d’être bien ensemble, le plaisir du goût, l’harmonie entre l’être humain et les productions de la nature. Parmi ses composantes importantes figurent : le choix attentif des mets parmi un corpus de recettes qui ne cesse de s’enrichir ; l’achat de bons produits, de préférence locaux, dont les saveurs s’accordent bien ensemble ; le mariage entre mets et vins ; la décoration de la table ; et une gestuelle spécifique pendant la dégustation (humer et goûter ce qui est servi à table). Le repas gastronomique doit respecter un schéma bien arrêté : il commence par un apéritif et se termine par un digestif, avec entre les deux au moins quatre plats, à savoir une entrée, du poisson et/ou de la viande avec des légumes, du fromage et un dessert. Des personnes reconnues comme étant des gastronomes, qui possèdent une connaissance approfondie de la tradition et en préservent la mémoire, veillent à la pratique vivante des rites et contribuent ainsi à leur transmission orale et/ou écrite, aux jeunes générations en particulier. Le repas gastronomique resserre le cercle familial et amical et, plus généralement, renforce les liens sociaux.

Inde – La danse Chhau

La danse Chhau est une tradition de l’Est de l’Inde qui s’inspire d’épisodes d’épopées, dont le Mahabharata et le Ramayana, du folklore local et de thèmes abstraits. Ses trois styles distincts proviennent de trois régions : le Seraikella, le Purulia et le Mayurbhanj ; les deux premiers utilisent des masques. La danse Chhau est intimement liée aux fêtes régionales, en particulier la fête du printemps, Chaitra Parva. Elle tirerait son origine de formes de danse autochtones et de pratiques guerrières. Son vocabulaire relatif aux mouvements comprend des techniques de combat simulé, l’imitation stylisée d’oiseaux et d’animaux et des mouvements inspirés des tâches ménagères quotidiennes des villageoises. La danse Chhau est enseignée à des danseurs (des hommes exclusivement) issus de familles d’artistes traditionnels ou de communautés locales. La danse est exécutée de nuit dans un espace en plein air au son de mélodies traditionnelles et populaires, jouées sur des instruments à anche, le mohuri et le shehnai. Divers qui donnent le rythme dominent l’accompagnement musical. La danse Chhau fait partie intégrante de la culture de ces communautés. Elle réunit des individus de toute couche sociale et origine ethnique qui ont des pratiques sociales, des croyances, des professions et des langues différentes. Cependant, en coupant de plus en plus les communautés de leurs racines, l’industrialisation croissante, les pressions économiques et les nouveaux médias sont la cause d’une diminution de la participation collective.

Inde – Les chants et danses populaires Kalbelia du Rajasthan

Les chants et danses sont une expression du mode de vie traditionnel de la communauté des Kalbelia. Autrefois charmeurs de serpents, les Kalbelia évoquent leur occupation passée à travers la musique et la danse qui évoluent vers des formes nouvelles et créatives. Aujourd’hui, les femmes vêtues de longues jupes noires dansent et tournoient en imitant les mouvements d’un serpent, tandis que les hommes les accompagnent au son d’un instrument à percussion – le khanjari – et d’un instrument à vent en bois – le poongi – qui était traditionnellement joué pour capturer les serpents. Les danseuses arborent des tatouages aux motifs traditionnels, des bijoux et des vêtements richement décorés de petits miroirs et de broderies en fil d’argent. Les chants Kalbelia puisent leur matière dans les récits mythologiques dont ils transmettent la connaissance ; certaines danses traditionnelles spéciales sont exécutées à l’occasion du Holi, la fête des couleurs. Les chants témoignent également de l’habileté poétique des Kalbelias, réputés pour leur capacité à composer spontanément des paroles et à improviser des chants pendant les représentations. Transmis de génération en génération, les chants et les danses s’inscrivent dans une tradition orale, qui ne s’appuie sur aucun texte ni manuel de formation. Le chant et la danse sont, pour la communauté Kalbelia, une source de fierté et un marqueur de leur identité, à une époque où leur mode de vie nomade traditionnel et leur rôle dans la société rurale disparaissent peu à peu. Ils sont la preuve des efforts déployés par une communauté pour revitaliser son patrimoine culturel et l’adapter aux changements socio-économiques.

Inde – Le Mudiyettu, théâtre rituel et drame dansé du Kerala

Le Mudiyettu est un drame rituel dansé du Kerala fondé sur le récit mythologique d’un combat entre la déesse Kali et le démon Darika. C’est un rituel communautaire auquel participe le village tout entier. Après avoir récolté les cultures estivales, les villageois se rendent au temple au petit matin, le jour dit. Les interprètes traditionnels du Mudiyettu se purifient à travers le jeûne et la prière, puis dessinent sur le sol du temple, à l’aide de poudres colorées, un portrait géant de la déesse Kali, appelé kalam, dans lequel l’esprit de la déesse est invoqué. Cela prépare le terrain pour la représentation vivante qui suit, dans laquelle le divin et sage Narada presse Shiva de maîtriser le démon Darika, qui est immunisé contre la défaite par l’homme. Shiva ordonne à la place que Darika meure des mains de la déesse Kali. Le Mudiyettu se pratique chaque année dans les « Bhagavati Kavus », temples de la déesse, dans les différents villages au bord des rivières Chalakkudy Puzha, Periyar et Moovattupuzha. La coopération mutuelle et la participation collective de chaque caste au rituel inspirent et renforcent l’identité commune et les liens réciproques dans la communauté. La responsabilité de sa transmission revient aux anciens et aux comédiens les plus âgés qui engagent des apprentis dans la jeune génération au cours de l’accomplissement du rituel. Le Mudiyettu est un vecteur culturel important pour la transmission aux générations futures des valeurs traditionnelles, de l’éthique, des codes moraux et des normes esthétiques de la communauté, assurant ainsi leur continuité et leur pertinence à l’époque actuelle.

Indonésie – L’Angklung indonésien

L’Angklung est un instrument de musique indonésien composé de deux à quatre tubes de bambou disposés verticalement dans une structure en bambou et attachés avec des cordes en rotin. Les tubes sont taillés et découpés avec soin par un maître artisan pour produire certaines notes quand on secoue ou on frappe le cadre en bambou. Chaque Angklung émet une note ou un accord unique, si bien que plusieurs joueurs doivent collaborer pour exécuter des mélodies. L’Angklung traditionnel utilise l’échelle pentatonique, mais en 1938 le musicien Daeng Soetigna a introduit un Angklung utilisant l’échelle diatonique, connu sous le nom de angklung padaeng. Étroitement lié aux coutumes traditionnelles, aux arts et à l’identité culturelle en Indonésie, l’Angklung se joue au cours de cérémonies comme la plantation du riz, la récolte ou encore la circoncision. La récolte du bambou noir spécial pour l’Angklung se pratique durant les deux semaines de l’année où chantent les cigales, et le bambou est taillé au moins à trois segments du sol pour que ses racines continuent de s’étendre. L’enseignement de l’Angklung se transmet oralement de génération en génération, et de plus en plus dans les établissements scolaires. En raison de la nature de la musique de l’Angklung qui se joue en collaboration, sa pratique favorise la coopération et le respect mutuel entre les joueurs, ainsi que la discipline, le sens des responsabilités, la concentration, le développement de l’imagination et de la mémoire, ainsi que le sens artistique et musical.

Iran – Les rituels du Pahlevani et du Zoorkhanei

Le Pahlevani est un art martial iranien qui mêle des éléments de l’islam, du gnosticisme et de croyances perses anciennes. Il désigne un ensemble rituel de mouvements de gymnastique et de callisthénie, accomplis par dix à vingt hommes manipulant chacun des instruments qui symbolisent les armes anciennes. Le rituel se déroule dans un zoorkhane, édifice sacré surmonté d’un dôme qui comprend une arène octogonale dominée par une ou plusieurs rangées circulaires de gradins pour le public. Le morshed (maître), qui dirige le rituel du Pahlevani, déclame des poèmes épiques et gnostiques et marque le rythme sur un zarb (tambour à pied). Les poèmes qu’il récite véhiculent des enseignements éthiques et sociaux et font partie de la littérature du Zoorkhanei. Les participants au rituel du Pahlevani peuvent appartenir à toutes les couches sociales ou obédiences religieuses et chaque groupe a des liens forts avec sa communauté locale, travaillant pour aider ceux de ses membres qui sont dans le besoin. Au cours de l’instruction, des valeurs éthiques et chevaleresques sont enseignées aux élèves sous la supervision d’un pīshkesvat (champion). Ceux qui maîtrisent les différents arts et techniques, observent des principes religieux et passent avec succès les diverses étapes éthiques et morales du gnosticisme peuvent acquérir le rang prestigieux de pahlevanī (héros), qui leur confère un statut et une autorité au sein de la communauté. On dénombre actuellement 500 zoorkhanes en Iran, chacun regroupant des praticiens, des fondateurs et plusieurs pīshkesvats.

Iran – L’art dramatique rituel du Ta‘zīye

Le Ta‘zīye (ou Taziyeh) est un art dramatique rituel qui met en scène des événements religieux, des récits historiques et mythiques et des contes populaires. Chaque représentation comporte quatre éléments : poésie, musique, chant et mouvements. Les représentations peuvent dans certains cas comporter une centaine de rôles qui se répartissent entre personnages historiques, religieux, politiques, sociaux, surnaturels, réels, imaginaires et fantastiques. Chaque pièce de Ta‘zīye est unique par son thème, ses costumes et sa musique. Les représentations sont riches en symboles, conventions, codes et signes que les spectateurs iraniens comprennent parfaitement ; elles se déroulent sur une scène, sans éclairage ni décors. Les acteurs sont exclusivement des hommes qui jouent donc les rôles féminins ; ce sont, pour la plupart, des amateurs qui gagnent leur vie grâce à une autre activité, mais qui jouent pour obtenir une récompense spirituelle. Si le Ta‘zīye tient une place importante dans la culture, la littérature et l’art iranien, ses pièces rituelles inspirent également des proverbes en usage dans la vie courante. Ses représentations aident à promouvoir et à renforcer les valeurs religieuses et spirituelles, l’altruisme et l’amitié tout en préservant les traditions anciennes, la culture nationale et la mythologie iranienne. Le Ta‘zīye joue également un rôle significatif dans la préservation de l’artisanat qui lui est associé, notamment la confection des costumes, la calligraphie et la fabrication des instruments. Sa flexibilité lui a permis de devenir un langage commun à différentes communautés, favorisant la communication, l’unité et la créativité. Le Ta‘zīye est transmis par l’exemple et l’enseignement oral, directement de maître à élève.

Iran – La musique des Bakhshis du Khorasan

Dans la province du Khorasan, les Bakhshis sont réputés pour leur talent de joueurs de dotār, un luth à long manche doté de deux cordes. Ils déclament des poèmes et des épopées islamiques et gnostiques sur des thèmes mythologiques, historiques ou légendaires. Leur musique, appelée maghami, consiste en pièces instrumentales et/ou vocales, interprétées en turc, kurde, turkmène et perse. Le Navāyī est le magham le plus répandu : il est extrêmement varié, vocal, dépourvu de rythme, accompagné de poèmes gnostiques. Les autres exemples sont notamment les maghams turcs Tajnīs et Gerāyelī, les thèmes religieux du Shākhatāyī, et le Loy, un ancien magham romantique des Kurdes Kormanj du Nord du Khorasan. Pour les Bakhshis, l’une des cordes du dotār est mâle et l’autre femelle ; la corde mâle reste ouverte, tandis que la corde femelle est utilisée pour jouer la mélodie principale. La musique bakhshi est transmise soit selon la méthode traditionnelle par enseignement direct de maître à l’élève, méthode réservée aux hommes de la famille ou du voisinage, soit selon des méthodes modernes où un maître forme plusieurs élèves des deux sexes et de diverses origines. La musique transmet l’histoire, la culture, les règles éthiques et religieuses fondamentales. C’est pourquoi le rôle social des Bakhshis ne se limite pas à celui de simple narrateur, mais fait d’eux des juges, des médiateurs et des guérisseurs, ainsi que les gardiens du patrimoine culturel ethnique et régional de leur communauté.

Iran – Les savoir-faire traditionnels du tissage des tapis du Fars

Les Iraniens sont réputés dans le monde entier pour leur maîtrise de l’art du tissage des tapis, les tisseurs du Fars, dans le sud-ouest de l’Iran, comptant parmi les plus renommés d’entre eux. La laine utilisée pour les fabriquer est tondue par les hommes de la communauté au printemps ou en automne. Les hommes construisent ensuite le métier à tisser, un cadre horizontal placé à même le sol, tandis que les femmes filent la laine sur des rouets. Les teintures employées (rouge, bleu, brun et blanc) sont pour l’essentiel naturelles et obtenues à partir de plantes : garance, indigo, feuille de laitue, brou de noix, queues de cerises et peau de grenade. Les femmes s’occupent du dessin, du choix des couleurs et du tissage ; elles reproduisent sur les tapis des scènes de leur vie nomade. Elles tissent sans carton (modèle), de sorte qu’elles ne tissent jamais deux tapis avec le même dessin. Le fil teint est noué autour du fil de chaîne pour créer le tapis. Pour finir, les bords sont cousus, l’excès de laine est éliminé pour faire ressortir les motifs et le tapis subit un nettoyage final. Tous ces savoir-faire sont transmis oralement et par l’exemple : les mères apprennent à leurs filles l’usage des matériaux, des outils et des techniques, tandis que les pères entraînent leurs fils à tondre la laine et à fabriquer des métiers à tisser.

Iran – Les savoir-faire traditionnels du tissage des tapis à Kashan

À Kashan, ville qui est depuis longtemps le centre du tapis de qualité, près d’un habitant sur trois est employé à la fabrication de tapis et parmi ceux-ci plus des deux tiers sont des femmes. Le processus de fabrication des tapis commence par un dessin, élaboré en puisant parmi un ensemble de styles établis, avec des motifs de fleurs, de feuilles, de branches, d’animaux et de scènes inspirées de l’histoire. Le métier à tisser employé est appelé dar ; les fils de chaîne et de trame sont en coton ou en soie. Le tapis est réalisé en nouant des brins de laine ou de soie sur la chaîne selon une technique appelée point de farsi ; les nœuds sont maintenus en place par un fil de trame, le tout étant tassé à l’aide d’un peigne. Le style de tissage farsi (également appelé nœud asymétrique) est pratiqué à Kashan avec une délicatesse exceptionnelle, dont témoigne le dessous du tapis avec ses nœuds fins et réguliers. Les tapis de Kashan doivent leurs coloris à l’emploi de teintures naturelles, issues notamment de la garance, du brou de noix, de la peau de grenade et de la feuille de vigne. Les savoir-faire traditionnels du tissage des tapis de Kashan sont transmis aux filles par apprentissage auprès de leurs mères et grands-mères. C’est également par apprentissage que les hommes acquièrent les techniques de dessin, de teinture, de tonte des moutons, de fabrication des métiers et outils.

Japon – Le Kumiodori, théâtre traditionnel musical d’Okinawa

Le Kumiodori est un art du spectacle japonais pratiqué dans l’archipel Okinawa. Fondé sur la musique et la danse traditionnelles d’Okinawa, il intègre des éléments venus des îles principales de l’archipel nippon, tels que le Nogaku ou le Kabuki, et de Chine. Le répertoire du Kumiodori relate des évènements historiques ou des légendes, avec l’accompagnement d’un instrument de musique traditionnel à trois cordes. Les textes ont un rythme particulier, basé sur la poésie traditionnelle et l’intonation particulière de la gamme de Ryukyu, et sont interprétés dans la langue ancienne d’Okinawa. Les mouvements des acteurs évoquent ceux d’une pythonisse lors des rituels traditionnels de l’ancienne Okinawa. Tous les rôles sont tenus par des hommes ; les coiffures, les costumes et les décors employés sur scène font appel à des techniques spécifiques que l’on ne trouve qu’à Okinawa. La nécessité de renforcer la transmission a incité des acteurs de Kumiodori à créer la Société de préservation du Kumiodori traditionnel qui forme des acteurs, fait revivre des pièces du répertoire qui avaient été abandonnées et organise régulièrement des représentations. Outre les œuvres classiques qui ont pour thèmes principaux la loyauté et le devoir filial, de nouvelles pièces ont été produites sur des thèmes et chorégraphies contemporains, mais en conservant le style du Kumiodori traditionnel. Le Kumiodori joue un rôle crucial dans la préservation du vocabulaire ancient d’Okinawa ainsi que dans la transmission de la littérature, des arts du spectacle, de l’histoire et des valeurs éthiques.

Japon – Le Yuki-tsumugi, technique de production de soierie

Le Yuki-tsumugi est une technique japonaise de tissage de la soie que l’on trouve principalement dans les villes de Yuki et Oyama, sur les bords de la rivière Kinu, au nord de Tokyo. La région jouit d’un climat doux et de terres fertiles, conditions idéales pour la culture du mûrier et la sériciculture. La technique du Yuki-tsumugi est employée pour produire du pongé (également appelé soie sauvage) – étoffe légère et chaude, douée d’une souplesse et d’une douceur caractéristiques, traditionnellement employée pour faire les kimonos. La production de l’étoffe comporte plusieurs étapes : filage à la main de la bourre de soie, confection à la main d’écheveaux avant teinture du fil à l’indigo pour réaliser des motifs, puis tissage de la soie sur un métier à sangle dorsale. La bourre de soie qui sert à produire le fil du Yuki-tsumugi provient de cocons vides ou déformés de vers à soie, inutilisables pour la production du fil de soie. Ce procédé de recyclage joue un rôle majeur en procurant des moyens d’existence supplémentaires aux communautés locales qui pratiquent la sériciculture. Les techniques traditionnelles du Yuki-tsumugi sont transmises par les membres de l’Association pour la préservation de la technique de tissage Honba Yuki-tsumugi. Cette association s’occupe de maintenir vivantes les traditions de filage, teinture et tissage transmises de génération en génération au sein de la communauté. Elle encourage la transmission du Yuki-tsumugi par des échanges de savoir-faire, la formation de jeunes tisserands et des démonstrations.

Lituanie – Les Sutartinės, chants lituaniens à plusieurs voix

Les Sutartinės (du mot sutarti – être en accord) représentent une forme de musique polyphonique chantée par les femmes dans le nord-est de la Lituanie. Les chants ont de simples mélodies, avec deux à cinq hauteurs de ton, qui comprennent deux parties distinctes : un texte principal significatif et un refrain qui peut contenir des paroles de circonstances. Il y a près de quarante styles et manières différents d’interpréter les Sutartinės. Ils sont principalement interprétés en secondes parallèles par deux chanteurs, par trois chanteurs en canon strict, qui chantent tous ensemble les deux phrases de la mélodie à des intervalles décalés, par deux groupes de chanteurs, le chanteur principal de chaque groupe interprétant les couplets, tandis que le partenaire chante le refrain, avant que le second groupe le reprenne. Les textes poétiques abordent des thèmes aussi variés que le travail, les rituels du cycle calendaire, les mariages, la famille, les guerres, les événements historiques et autres moments de l’existence. La chorégraphie n’est pas compliquée et les mouvements sont modérés, souvent solennels : marche en cercle ou en forme d’étoile, en se tenant les bras et en tapant du pied. Les Sutartinės sont interprétés dans des circonstances solennelles, ainsi qu’à l’occasion de fêtes, de concerts et autres rencontres sociales. Leur exécution contribue à promouvoir le partage des valeurs culturelles et donne un sentiment d’identité culturelle, de continuité et d’estime de soi Les Sutartinės sont essentiellement chantés par des femmes, mais les hommes en jouent une version instrumentale à la flûte de Pan, au cor, à la longue trompette en bois, à la flûte à conduit ou au cistre.

Luxembourg – La procession dansante d’Echternach

Chaque année, le mardi de la Pentecôte (fête religieuse chrétienne), a lieu dans le centre-ville moyenâgeux d’Echternach, la plus ancienne ville du Luxembourg, la procession dansante d’Echternach (Iechternacher Sprangprëssioun). Documentée dès l’an 1100, la procession a pour fondement le culte de saint Willibrord, moine et fondateur de l’Abbaye d’Echternach, vénéré pour ses activités missionnaires, ses bienfaits et son don de guérir certaines maladies. Malgré l’opposition de l’Église due aux éléments païens de la procession, ses interdictions successives n’ont pas empêché son extension à la région entière et à toutes les catégories sociales. La procession commence de bon matin dans la cour de l’ancienne abbaye, en présence des plus hautes autorités ecclésiastiques du pays et de nombreux autres pays. Les chanteurs récitent des litanies, suivis de quelque 8 000 danseurs, divisés en 45 groupes selon un rituel transmis de génération en génération. Elle s’achève par un office dans la basilique. La procession actuelle est un événement religieux profondément ancré dans la tradition qui s’exprime par la prière, les chants et la danse, forme historique du culte. De nos jours, la procession, soutenue par les autorités civiles et religieuses, rencontre un succès croissant malgré la sécularisation, avec en moyenne chaque année 13 000 pèlerins provenant du Luxembourg et des régions avoisinantes.

Mexique – Les Parachicos dans la fête traditionnelle de janvier à Chiapa de Corzo

La Grande Fête traditionnelle se déroule chaque année du 4 au 23 janvier à Chiapa de Corzo, au Mexique. Cette fête, qui associe musique, danse, artisanat, gastronomie, cérémonies religieuses et festivités, est organisée en l’honneur de trois saints catholiques : Saint Antoine Abbot, Notre-Seigneur d’Esquipulas et, le plus important, Saint Sébastien. Les danses des Parachicos – le terme désigne à la fois les danseurs et la danse – sont considérées comme une offrande collective à ces saints. Elles commencent le matin et se terminent à la nuit : les danseurs défilent dans toute la ville en portant des statues des saints et font des haltes dans divers lieux de culte. Chaque danseur porte un masque en bois sculpté surmonté d’une coiffe, une couverture, un châle brodé et des rubans multicolores ; il joue des chinchines (maracas). Les danseurs sont guidés par le Patron, qui porte un masque à l’expression sévère, une guitare et un fouet, tout en jouant de la flûte accompagné par un ou deux joueurs de tambour. Pendant la danse, il entonne des prières de louanges auxquelles les Parachicos répondent par des acclamations. La danse est transmise et apprise sur le tas, les jeunes enfants s’efforçant d’imiter les danseurs adultes. La technique de fabrication des masques est transmise de génération en génération, depuis la coupe du bois et son séchage jusqu’à la sculpture et la décoration finale. La danse des Parachicos pendant la Grande Fête embrasse toutes les sphères de la vie locale, favorisant le respect mutuel entre communautés, groupes et individus.

Mexique – La Pirekua, chant traditionnel des P’urhépecha

La Pirekua est une musique traditionnelle des communautés autochtones P’urhépecha de l’État du Michoacán, Mexique, que chantent aussi bien les hommes que les femmes. Son mélange de styles divers a des origines africaines, européennes et américaines autochtones, avec des variations régionales identifiées dans 30 communautés P’urhépecha sur 165. Une Pirekua, qui est généralement chantée avec un rythme lent, peut également être présentée dans un style non-vocal en utilisant différents rythmes tels que les sones (3/8) et abajeños (6/8). La Pirekua peut être chantée en solo, en duo ou en trio, ou être accompagnée par des ensembles vocaux, des orchestres à cordes et mixtes (avec des instruments à vent). Les pirériechas (chanteurs et interprètes de Pirekua) sont réputés pour leur créativité et leurs interprétations de chants plus anciens. Les paroles couvrent un large éventail de thèmes allant des événements historiques à la religion, la pensée sociale et politique, l’amour et la cour auprès des femmes, faisant un usage intensif de symboles. La Pirekua sert de moyen de dialogue effectif entre les familles et les communautés P’urhépecha qui la pratiquent, en aidant à établir et à resserrer les liens. Les pirériechas servent aussi de médiateurs sociaux, en utilisant les chants pour exprimer des sentiments et communiquer des événements importants aux communautés P’urhépecha. La Pirekua se transmet traditionnellement par oral, de génération en génération, en conservant son caractère d’expression vivante, marqueur identitaire et moyen de communication artistique pour plus de cent mille P’urhépecha.

Mexique – La cuisine traditionnelle mexicaine – culture communautaire, vivante et ancestrale, le paradigme de Michoacán

La cuisine traditionnelle mexicaine est un modèle culturel complet qui rassemble des pratiques agricoles, rituelles, des talents de longue date, des techniques culinaires et des coutumes et manières communautaires ancestrales. Cela est rendu possible grâce à la participation collective dans la chaîne alimentaire traditionnelle tout entière : de la plantation et la récolte à la cuisson et à la dégustation. La base du système est fondée sur le maïs, les haricots et le piment chili ; les méthodes agricoles uniques comme la milpa (champ de maïs et autres cultures par rotation sur brûlis) et la chinampa (îlot de culture artificiel dans une zone lacustre) ; les procédés de cuisson, comme la nixtamalisation (décorticage du maïs à l’eau de chaux qui augmente sa valeur nutritive) ; et les ustensiles particuliers comme la pierre meulière et le mortier en pierre. Des ingrédients autochtones, parmi lesquels figurent des variétés de tomates, de courges, d’avocats, de cacao et de vanille, s’ajoutent aux produits alimentaires de base. La cuisine mexicaine est élaborée et chargée de symboles, avec les tortillas et les tamales quotidiens, tous deux à base de maïs, qui font partie intégrante des offrandes du Jour des Morts. Des collectifs de cuisinières et d’autres praticiens consacrés au développement des cultures et de la cuisine traditionnelle sont constitués dans l’État du Michoacán et dans tout le Mexique. Leurs savoirs et techniques sont l’expression de l’identité communautaire, renforcent les liens sociaux et consolident les identités nationale, régionale et locale. Ces efforts accomplis dans le Michoacán soulignent également l’importance de la cuisine traditionnelle comme moyen de développement durable.

Mongolie – Le Naadam, festival traditionnel mongol

Le Naadam est un festival national qui se déroule tous les ans du 11 au 13 juillet dans toute la Mongolie ; il s’articule autour de trois jeux traditionnels : la course de chevaux, la lutte et le tir à l’arc. Le Naadam mongol est intimement lié au mode de vie nomade des Mongols qui pratiquent depuis très longtemps le pastoralisme dans les vastes steppes de l’Asie centrale. Des traditions orales, des arts du spectacle, des plats nationaux, l’artisanat et des formes culturelles telles que le chant long, le chant diphonique Khöömei, la danse Bie biyelgee et le violon appelé morin khuur sont également des composantes majeures du Naadam. Les Mongols suivent des rituels et des pratiques spécifiques pendant le festival, notamment le port de costumes spéciaux et l’utilisation d’outils et d’articles de sport particuliers. Les participants vénèrent les sportifs, hommes, femmes et enfants, qui participent aux compétitions et les vainqueurs se voient décerner des titres en récompense de leurs exploits. Les chants de prières et poèmes rituels sont dédiés aux candidats dans les événements. N’importe qui est autorisé et encouragé à participer au Naadam, ce qui favorise la participation et la cohésion de la communauté. Les trois sports pratiqués sont directement liés au mode et aux conditions de vie des Mongols, et leur transmission est traditionnellement assurée par les membres de la famille dans le cadre de l’apprentissage au sein du foyer, bien que des modes de formation plus formels soient récemment apparus pour la lutte et le tir à l’arc. Les rituels et coutumes du Naadam mettent en outre l’accent sur le respect de la nature et de l’environnement.

Mongolie – L’art traditionnel du Khöömei mongol

Le Khöömei est une forme de chant originaire de l’Ouest de la Mongolie, dans les montagnes de l’Altaï. Le chanteur imite des sons de la nature, en émettant simultanément deux sons vocaux distincts : un bourdon continu sur lequel se superpose une mélodie d’harmoniques. Le Khöömei, qui signifie littéralement pharynx, passe pour s’être inspiré des oiseaux dont les esprits tiennent une place centrale dans les pratiques chamaniques. Les innombrables techniques de Khöömei mongol sont regroupées en deux styles principaux : le kharkhiraa (Khöömei profond) et l’isgeree Khöömei (Khöömei sifflé). Dans le kharkhiraa le chanteur produit un bourdon en voix de gorge, en faisant ressortir l’harmonique inférieure ou la sous-harmonique de l’octave en dessous. Dans l’isgeree Khöömei, ce sont les harmoniques supérieures de la fondamentale qui sont mises en valeur, ce qui produit un sifflement aigu. Dans les deux cas, le bourdon est produit avec des cordes vocales très tendues, tandis que la mélodie est créée en modulant la taille et la forme de la cavité buccale, en ouvrant et fermant les lèvres et en bougeant la langue. Le Khöömei est exécuté par les nomades mongols en diverses occasions sociales, allant des grandes cérémonies d’État aux événements festifs domestiques. Le Khöömei est également chanté par ceux qui font paître les troupeaux et à l’intérieur de la yourte pour bercer les bébés. Il est traditionnellement transmis par les détenteurs aux apprenants ou par les maîtres aux apprentis.

Oman – Al-Bar’ah, musique et danse des vallées du Dhofar d’Oman

L’al-Bar’ah est une tradition musicale bédouine des chaînes montagneuses du Dhofar au sud d’Oman. Elle prend la forme d’une danse à caractère guerrier exécutée au son du tambour et de la poésie chantée dans le dialecte des tribus locales. L’al-Bar’ah est exécutée en demi-cercle par dix à trente hommes et femmes. Tout en chantant et en battant des mains, deux danseurs masculins munis de khanjars (poignards), exécutent des mouvements de danse codifiés, en brandissant leurs poignards au-dessus du niveau de l’épaule. Les pas des danseurs ne sont pas complexes, mais la coordination avec les autres exécutants et avec la musique requiert une habileté considérable. Chaque tribu a sa propre forme caractéristique d’al-Bar’ah, qui diffère des autres par le rythme des percussions et les pas de danse exécutés. L’accompagnement musical est joué par les tambours al-kasir, al-rahmâni et ad-daff et la flûte al-qassaba. La danse est exécutée à l’extérieur, à l’occasion des mariages, des circoncisions et des fêtes religieuses. Comme pour d’autres danses bédouines, les distinctions de classe et autres disparaissent puisque les chefs de tribus dansent aux côtés des plus humbles de la population. La tradition représente l’esprit chevaleresque, la force, le courage, la générosité et l’hospitalité associés aux Bédouins. La danse met aussi l’accent sur les thèmes poétiques de l’amour et de la séduction. L’al-Bar’ah a beaucoup de praticiens du Dhofar qui contribuent à entretenir et à transmettre sa diversité poétique et sa pratique.

Pérou – La Huaconada, danse rituelle de Mito

La Huaconada est une danse rituelle exécutée dans le village de Mito, province de Concepción, dans les Andes centrales péruviennes. Chaque année, les trois premiers jours de janvier, des hommes masqués, appelés huacones, exécutent dans le centre de la ville un ensemble de danses chorégraphiées. Les huacones représentent l’ancien conseil des anciens et deviennent la plus haute autorité de la ville pendant toute la durée de la Huaconada. Le tronador (fouet) et le masque qu’ils portent mettent ce rôle en relief ; le masque se caractérise par un nez très accentué qui évoque le bec du condor, créature qui représente l’esprit des montagnes sacrées. La danse met en scène deux catégories de huacones : les anciens, qui portent des costumes traditionnels et des masques finement sculptés inspirant le respect et la crainte ; et les huacones modernes, qui portent des tenues bariolées et dont les masques expriment la terreur, la tristesse ou la moquerie. Pendant la Huaconada, les huacones modernes exécutent un répertoire limité de pas autour des anciens qui, du fait de leur âge, bénéficient pour leur part d’une plus grande liberté pour improviser des mouvements de danse. Un orchestre joue différents rythmes, marqués sur un petit tambour autochtone appelé tinya. La Huaconada synthétise des éléments distincts, originaires des Andes et d’Espagne, en intégrant des éléments nouveaux, contemporains. Seuls les hommes de bonne conduite et d’une grande intégrité morale peuvent devenir huacones. La danse est traditionnellement transmise de père en fils ; les costumes et les masques sont également transmis comme héritage.

Pérou – La danse des ciseaux

La danse des ciseaux est exécutée par les habitants des villages et communautés Quechua de la partie sud des Andes centrales du Pérou et, depuis quelques temps, en zone urbaine. Cette danse rituelle qui prend la forme d’une compétition est exécutée pendant la saison sèche et coïncide avec les principales phases du calendrier agraire. La danse des ciseaux tire son nom de la paire de lames en métal poli semblables à des lames de ciseaux que chaque danseur brandit dans sa main droite. Avec un violoniste et un harpiste, un danseur forme une cuadrilla (équipe) qui représente un village ou une communauté donné. La danse met face à face au moins deux cuadrillas dont les danseurs doivent entrechoquer leurs lames en rythme avec les musiciens qui les accompagnent, tout en se livrant à un duel chorégraphique qui mêle step dance, acrobaties et mouvements de difficulté croissante. Le duel, ou atipanakuy, peut durer jusqu’à dix heures ; la capacité physique, la qualité des instruments et le savoir-faire des musiciens accompagnateurs sont autant de critères évalués pour déterminer le vainqueur. Les danseurs portent des costumes brodés avec des franges dorées, des sequins multicolores et des petits miroirs, mais il leur est interdit de pénétrer dans une église dans cette tenue à cause de la tradition qui veut que leurs capacités soient le fruit d’un pacte avec le diable. Cela n’a pas empêché la danse des ciseaux de devenir une composante appréciée des fêtes catholiques. Les connaissances physiques et spirituelles implicites dans la danse sont transmises oralement de maître à élève, chaque cuadrilla de danseurs et de musiciens étant une source de fierté pour son village d’origine.

République de Corée – Le Daemokjang, architecture traditionnelle en bois

Le terme « Daemokjang » désigne globalement l’architecture coréenne traditionnelle en bois et en particulier les artisans qui utilisent les techniques traditionnelles de travail du bois. Les activités de ces praticiens couvrent également l’entretien, la réparation et la reconstruction de bâtiments historiques, allant des maisons coréennes traditionnelles aux palais et temples monumentaux en bois. Les Daemokjang prennent en charge la totalité du processus de construction, y compris la planification, les plans et la construction des édifices, ainsi que la supervision des artisans placés sous leurs ordres. Les structures en bois créées par les Daemokjang se caractérisent par la douceur de leurs lignes, leur simplicité et leur absence d’ornementation – traits distinctifs de l’architecture coréenne traditionnelle. Les méthodes de construction traditionnelles exigent des compétences techniques pour élaborer les plans de l’édifice en tenant compte de sa taille, de son emplacement et de sa fonction, mais aussi un sens esthétique pour le choix du bois qui servira de matériau de construction, la coupe et la taille du bois, l’assemblage et le verrouillage des différentes pièces de bois sans clous, selon la fameuse technique qui leur permet « de résister un millier d’années ». Le savoir-faire des Daemokjang a été transmis de génération en génération ; sa maîtrise exige des décennies de formation et d’expérience. En s’occupant de restaurer des édifices monumentaux en employant les techniques traditionnelles, les Daemokjang réinterprètent la beauté de l’architecture traditionnelle grâce à leur créativité artistique et la recréent grâce à leur savoir-faire technique.

République de Corée – Le Gagok, cycles de chant lyrique accompagnés d’un orchestre

Le Gagok est un genre de musique vocale traditionnelle coréenne, chantée par les hommes et les femmes avec l’accompagnement d’une petite formation orchestrale ; il constitue, avec plusieurs autres formes de chant, le jeongga ou « bon chant ». Autrefois associé à la haute société, le Gagok est aujourd’hui une musique très populaire dans tout le pays. Il comprend vingt-six namchang, ou chants pour les hommes, et quinze yeochang, ou chants pour les femmes. Les namchang se caractérisent par leurs voix puissantes, profondes et sonores, tandis que les yeochang se distinguent par leurs voix aiguës et fluettes. Les chants du Gagok sont composés dans une tonalité soit solennelle et paisible, soit mélancolique, sur un rythme à 10 ou à 16 temps. Les instruments traditionnels de l’orchestre sont notamment le geomungo (cithare à six cordes), le daegeum (flûte traversière en bambou), le gayageum (cithare à douze cordes) et le piri (petit instrument à vent à anche double). Les chants du Gagok sont tenus en haute estime en raison de leur lyrisme, de leur harmonie, de leurs mélodies raffinées et de leur composition musicale recherchée. Il faut beaucoup de temps et d’efforts pour acquérir la maîtrise de ce chant et les concerts requièrent un investissement personnel et un contrôle considérable. Le Gagok est préservé et transmis dans des centres locaux de formation au patrimoine par les praticiens, leurs communautés et des associations spécialisées. Le Gagok a joué un rôle important dans la formation de l’identité coréenne.

Espagne – Le Flamenco

Le Flamenco est une expression artistique qui résulte de la fusion du chant (cante), de la danse (baile) et de l’accompagnement musical (toque). L’Andalousie, dans le sud de l’Espagne, est le berceau du Flamenco, bien qu’il ait également des racines dans d’autres régions telles que la Murcie et l’Estrémadure. Le cante est l’expression vocale du flamenco : il est chanté par un homme ou une femme, de préférence assis, sans chanteurs d’accompagnement. Toute la gamme des sentiments et des états d’esprit – chagrin, joie, tragédie, allégresse, peur – s’exprime à travers des paroles sincères d’une grande expressivité qui se caractérisent par leur concision et leur simplicité. Le baile est une danse de passion, de séduction, qui traduit un large éventail de situations allant de la tristesse à la joie. Sa technique est complexe et diffère selon que le protagoniste est un homme (davantage de vigueur dans les pieds) ou une femme (plus douce et sensuelle dans ses mouvements). Le toque, ou art de jouer de la guitare, a depuis longtemps dépassé son rôle initial d’accompagnement. D’autres instruments, parmi lesquels les castagnettes, ainsi que les claquements de mains et les martèlements des pieds, sont également utilisés. Le Flamenco est joué lors des fêtes religieuses, des rituels, des cérémonies sacramentelles et des fêtes privées. Il est le marqueur d’identité de nombreux groupes et communautés, en particulier la communauté ethnique des Gitans (Roms) qui a joué un rôle essentiel dans son évolution. La transmission s’effectue au sein des dynasties, des familles, des groupes sociaux et des clubs de Flamenco qui sont tous des acteurs déterminants de sa préservation et de sa diffusion.

Espagne -Les tours humaines

Les Castells sont des tours humaines érigées par les membres de groupes d’amateurs dans les villes et villages de Catalogne, généralement lors des fêtes annuelles. L’endroit choisi est traditionnellement la place située devant le balcon de l’hôtel de ville. Les tours humaines se composent de castellers qui se juchent sur les épaules les uns des autres en une succession d’étages (entre six et dix). Chaque niveau du tronc, nom donné au deuxième niveau en partant du bas, est généralement composé de deux à cinq hommes solidement bâtis qui portent des jeunes garçons ou filles plus légers. Le pom de dalt – les trois derniers étages de la tour – est composé de jeunes enfants. N’importe qui peut former la pinya, la base humaine qui soutient la base de la tour. Chaque groupe se distingue des autres par son costume, notamment la couleur de ses chemises ; la large ceinture qui leur sert à se protéger le dos permet également aux castellers de s’agripper pour monter les étages de la tour. Avant, pendant et après la formation de la tour, des musiciens jouent diverses mélodies traditionnelles sur un instrument à vent appelé gralla, qui marque le rythme d’édification de la tour. Le savoir nécessaire à la formation des castells est traditionnellement transmis de génération en génération au sein d’un groupe et s’acquiert uniquement par la pratique.

Espagne – Le chant de la Sibylle de Majorque

Le chant de la Sybille est chanté lors des Matines de Noël, la nuit du 24 décembre, dans toutes les églises de Majorque. Il marque la veillée de Noël et est chanté par un garçon ou une fille, accompagné par au moins deux enfants de chœur (garçons ou filles). Pendant le chant, ils traversent l’église en procession jusqu’au chœur ; le chanteur tient dans ses mains une épée dressée devant son visage, tandis que les enfants de chœur portent des cierges. À la fin du chant, le chanteur dessine un grand signe de croix dans l’air avec l’épée. Les versions du chant interprétées sur l’île s’écartent très peu de leurs racines grégoriennes : elles sont exécutées a cappella avec, entre deux versets, de la musique jouée à l’orgue. Le costume porté par le chanteur est généralement composé d’une tunique blanche ou de couleur, parfois brodée autour du cou et au niveau de l’ourlet, souvent recouverte d’une cape. Une coiffe de la même couleur que la tunique vient compléter sa tenue. Toutes les paroisses de Majorque pratiquent ce rite qui voit toutes les générations travailler côte à côte en tant que chanteurs, confectionneurs de costumes, célébrants et autres aides, assurant ainsi sa transmission.

Espagne; Grèce; Italie; Maroc – La diète méditerranéenne

La diète méditerranéenne est un ensemble de savoir-faire, connaissances, pratiques et traditions qui vont du paysage à la table, y compris les cultures, la récolte ou la moisson, la pêche, la conservation, la transformation, la préparation et, en particulier, la consommation d’aliments. La diète méditerranéenne se caractérise par un modèle nutritionnel qui est demeuré constant dans le temps et l’espace et dont les principaux ingrédients sont l’huile d’olive, les céréales, les fruits et légumes frais ou séchés, une proportion limitée de poisson, produits laitiers et viande, et de nombreux condiments et épices, le tout accompagné de vin ou d’infusions, toujours dans le respect des croyances de chaque communauté. Mais la diète (du grec diaita ou mode de vie) méditerranéenne recouvre beaucoup plus que la seule nourriture. Elle favorise les contacts sociaux, les repas collectifs étant la clé de voûte des coutumes sociales et des événements festifs. Elle a donné naissance à un formidable corpus de savoirs, chants, maximes, récits et légendes. Elle s’enracine dans le respect du territoire et de la biodiversité, et assure la conservation et le développement des activités traditionnelles et de l’artisanat liés à la pêche et à l’agriculture dans les communautés méditerranéennes dont Soria en Espagne, Koroni en Grèce, Cilento en Italie et Chefchaouen au Maroc représentent des exemples. Les femmes jouent un rôle particulièrement vital dans la transmission du savoir-faire, dans la connaissance des rituels, de la gestuelle et des célébrations traditionnelles, et enfin dans la sauvegarde des techniques.

Turquie – Le festival de lutte à l’huile de Kırkpınar

Le festival de lutte à l’huile de Kırkpınar se déroule à Edirne, en Turquie. Des milliers de personnes de différentes classes d’âge, cultures et régions se déplacent chaque année pour voir s’affronter les pehlivans (lutteurs) en quête de la ceinture d’or de Kırkpınar et du titre de pehlivan en chef. Chaque festival est lancé par son patron, l’aga de Kırkpınar, lors d’une cérémonie où se produisent quarante ensembles de joueurs de davul (grosse caisse) et de zurna (flûte). La ceinture d’or est portée à travers la ville au cours d’une procession, suivie de prières récitées à la mosquée Selimiye. Les tournois de lutte ont lieu traditionnellement sur le « champ de bataille ». Le maître de cérémonie présente les pehlivans au public en clamant en vers leurs noms, leurs titres et leurs exploits. Ensuite, le huileur aide les lutteurs à s’enduire d’huile, assisté du porteur de serviette, avant les exercices d’échauffement et le salut. Les lutteurs portent le kıspet, pantalon épais taillé dans un cuir de vache ou de buffle d’eau. Tandis que se déroule le tournoi, les joueurs de tambour et de flûte exécutent le répertoire traditionnel du festival. La lutte à l’huile de Kırkpınar est ouverte aux hommes de toutes cultures, régions et classes d’âge sans discrimination religieuse, linguistique ou raciale. Les pehlivans sont considérés comme des personnages exemplaires de la société ayant des qualités telles que la générosité, l’honnêteté, le sens du respect et l’attachement aux us et coutumes. Tous les pehlivans sont formés selon la tradition maître-apprenti.

Turquie – Le Semah, rituel Alevi-Bektaşi

Les Semahs peuvent être décrits comme un ensemble de mouvements corporels mystiques et esthétiques exécutés en harmonie rythmique. Ils constituent l’un des douze grands services des rituels Cem, pratiques religieuses auxquelles se livrent les fidèles de l’ordre Alevi-Bektaşi, un système de croyance fondé sur l’admiration d’Ali, quatrième calife à la suite du prophète Mohammed. Les Semahs sont exécutés par les semahçıs (danseurs de Semah), accompagnés par des musiciens dévots qui jouent du saz, luth à long manche. Il existe différentes formes de Semah dans les communautés Alevi-Bektaşi à travers la Turquie, chacune avec des caractéristiques musicales et des structures rythmiques distinctes. Une caractéristique constante est la représentation du rituel exécuté à la fois par des hommes et des femmes, côte à côte. Les rituels des Semahs reposent sur le concept de l’unité avec Dieu qui se réalise à travers un cycle naturel : l’être humain vient de Dieu et retourne vers Dieu. Il y a deux formes de Semahs : les İçeri Semahs qui sont exécutés dans les Cems par les seuls fidèles dans le cadre des douze services ; les Dışarı Semahs qui sont exécutés indépendamment des services afin de promouvoir la culture du Semah aux jeunes générations. Le Semah est le moyen de transmission le plus important de la tradition Alevi-Bektaşi. Toutes les pratiques, les motifs et enseignements traditionnels se transmettent oralement et les genres distincts d’art et de littérature associés à la tradition continuent de se développer. C’est ainsi que les Semahs jouent un rôle crucial en stimulant et en enrichissant la culture musicale traditionnelle de la Turquie.

Turquie – Les rencontres traditionnelles Sohbet

Les rencontres traditionnelles Sohbet jouent un rôle crucial dans la transmission de la littérature, des danses et de la musique populaires, des spectacles de village ainsi que des valeurs sociétales de la Turquie. Les hommes turcs se réunissent régulièrement à l’intérieur, surtout en hiver, pour discuter des problèmes sociaux et culturels locaux, sauvegarder les traditions et encourager la solidarité, le respect mutuel et le sens de la communauté. Les rencontres peuvent comporter de la musique, des danses et des spectacles, autant de divertissements appréciés tout en dégustant des plats locaux. Une rencontre traditionnelle Sohbet peut durer jusqu’au petit matin. Les rencontres sont accessibles aux hommes âgés de plus de 15 ou 16 ans, quels que soient leur ethnie, leur religion ou leur statut, la condition élémentaire requise étant que les membres soient issus d’une famille honnête, qu’ils soient dignes de confiance et respectueux de leurs aînés, et qu’ils n’aillent pas s’adonner au jeu ou errer en état d’ébriété. Les membres risquent d’être pénalisés en ayant une amende à payer s’ils viennent à manquer une rencontre, sauf en cas de circonstances atténuantes. Les mères et les épouses incitent les membres masculins à y assister en raison des avantages sociaux et culturels qui y sont associés. Les communautés comptent en général cinq à trente personnes et sont guidées par des chefs nommés à l’issue d’un vote ou sur proposition des aînés. Les membres de la communauté ont tous les mêmes droits et obligations. Les rencontres Sohbet revêtent une importante fonction éducative en transférant des valeurs éthiques telles que la justice sociale, la tolérance, la bienveillance et le respect.

Émirats arabes unis; Belgique; République tchèque; France; République de Corée; Mongolie; Maroc; Qatar; Arabie saoudite; Espagne; République arabe syrienne

La fauconnerie, un patrimoine humain vivant – La fauconnerie est l’activité traditionnelle qui consiste à conserver et dresser des faucons et autres rapaces pour attraper du gibier dans son environnement naturel. Utilisée à l’origine pour se procurer de la nourriture, elle est associée à l’esprit de camaraderie et de partage, plus qu’à la subsistance. On la trouve principalement le long des itinéraires et corridors de migration. Elle est pratiquée par des personnes de tous âges, hommes ou femmes, amateurs ou professionnels. Les fauconniers développent une relation forte et un lien spirituel avec leurs oiseaux ; une forte implication est nécessaire pour élever, former, dresser et faire voler les faucons. La fauconnerie est transmise de génération en génération en tant que tradition culturelle de multiples manières, parmi lesquelles l’apprentissage, l’éducation au sein de la famille ou la formation plus formelle dans des clubs. En Mongolie, au Maroc, au Qatar, en Arabie saoudite et aux Émirats arabes unis, par exemple, les fauconniers emmènent leurs enfants dans le désert et leur apprennent à maîtriser l’oiseau et à établir une relation de confiance avec lui. Si les fauconniers sont d’origines très diverses, ils partagent des valeurs, des traditions et des pratiques communes que l’on retrouve dans le monde entier, notamment les méthodes d’entraînement des oiseaux et la façon de s’en occuper, l’équipement utilisé et le lien affectif entre le fauconnier et l’oiseau. La fauconnerie est le socle d’un patrimoine culturel plus large, qui inclut des costumes traditionnels, une alimentation, des chants, de la musique, de la poésie et des danses, autant de coutumes entretenues par les communautés et clubs qui la pratiquent.

Viet Nam – Les fêtes de Gióng des temples de Phù Ðông et de Sóc

Les fêtes de Gióng des temples de Phù Đổng et Sóc sont célébrées tous les ans dans les districts excentrés de Hanoi, la capitale du Vietnam. Chaque année au printemps, avant la récolte du riz, les Vietnamiens honorent le héros mythique Thánh Gióng, dieu et saint, qui aurait défendu le pays contre les ennemis étrangers ; il est vénéré en tant que protecteur des moissons, de la paix du pays et de la prospérité de la famille. Les fêtes du temple de Phù Đổng, qui se déroulent le quatrième mois lunaire dans le village de la naissance du dieu, reproduisent symboliquement ses exploits, à travers la conduite d’un cheval blanc dans une bataille et l’orchestration d’une danse du drapeau complexe qui symbolise la bataille proprement dite. De jeunes hommes reçoivent un entraînement complet pour jouer les rôles des commandants gardiens du drapeau, du tambour, du gong, de l’armée et des enfants, tandis que 28 filles âgées de 9 à 13 ans sont choisies pour jouer les généraux ennemis. Les mouvements de danse du commandant gardien du drapeau ainsi que le son du tambour et du gong évoquent le déroulement de la bataille ; des papillons en papier s’envolent du drapeau pour disperser symboliquement les envahisseurs. L’arrivée des pluies après la fête est considérée comme une bénédiction du saint pour une récolte abondante. Les célébrations au temple de Sóc, d’où le saint Gióng est monté au ciel, se déroulent le premier mois lunaire et incluent le rituel du bain de sa statue ainsi qu’une procession jusqu’au temple avec des fleurs de bambou qui servent d’offrandes au saint.

Plus d’information :

www.unesco.org/culture

Photos : reproduction avec l’autorisation de l’UNESCO.

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Bois, murs gris et orchidées accueillent les visiteurs. Tasse de thé et macarons terminent leur visite. Un véritable accueil au parfum d’Asie.
La sobriété de bon ton choisie par Lin Trans’allie à ravir aux espaces de massages séparés seulement par des tentures – peut-être la touche la plus « folklorique»  du lieu.

Mais l’essentiel tient aux techniques maîtrisées des masseuses, toutes Thaïlandaises et fortes de plusieurs années d’expériences. Les massages traditionnels de remise en forme et de rééquilibrage de la personne ont été associés à des techniques plus récentes. Chaque massage est effectué avec des huiles essentielles aromatiques  choisies pour leur effet tonifiant, relaxant, détoxifiant, etc.

Le soin-phare du B-Zen est le massage aux Huiles Couleurs, lequel allie une forme de chromothérapie et d’aromathérapie, chacune des 14 couleurs étant associée à une odeur. Le choix de la couleur n’est pas anodin et correspond à une composition d’huiles essentielles composée par un « nez»  de Grasse, spécialiste de la relation entre couleurs, fragrances et effets bénéfiques.

Le protocole de ce soin est à la fois symbolique et recherché.

Chaque client choisit des couleurs correspondant à sa nature et ses besoins. Les couleurs comme les odeurs influent sur l’humeur et les sensations. La subtile combinaison des deux est sensée apporter l’apaisement des sens, l’équilibre et l’énergie.

L’avantage de ce soin tient à ce qu’il englobe le corps dans sa totalité, de la tête aux pieds. Il commence par l’arrière du corps, dont on dit qu’il est marqué par le poids du passé et du présent, il se poursuit par l’avant du corps, considéré quant à lui, comme tourné vers le futur et l’harmonie. À chaque face correspondra une des huiles choisies.

Mais attention, même si le parti pris de stimulation des sens et de douceurs apparente est séduisant, il faut rappeler que le massage Thaï, hérité de techniques traditionnelles, est puissant et qu’il ne convient pas toujours à toutes les natures. On est loin du massage de relaxation dispensé par les esthéticiennes.

Pratique :

B-Zen Spa
Ouvert de 11H-21H
45 Boulevard de Sébastopol
75001 PARIS
Tél : 01 40 26 49 65

www.b-zen.fr
info@b-zen.fr

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Christian Blanckaert ancien maire de Varangéville, le petit village emblématique de la Normandie avec son cimetière marin où a été enterré le peintre Braque, a dirigé le comité Colbert qui regroupe la plupart des maisons de luxe françaises et a été un des dirigeants actifs du groupe Hermès. C’est dire que c’est un monde qu’il connaît bien après avoir publié plusieurs livres sur ce sujet dont Les chemins du luxe, chez Grasset (1996) et Le Luxe au Cherche Midi (2008).

Florence Lebaudy qui a épousé un descendant de la famille éponyme sucrière, parcourt le monde à la tête de la plus ancienne maison d’Armagnac, qui fait 70% de son chiffre d’affaires à l’étranger, activité qu’elle compare volontiers à l’enseignement qu’en avait retiré dans la première moitié du XXe siècle, Jean Monnet, lui aussi négociant de spiritueux ayant raconté que cette expérience lui avait été très utile au moment de ses négociations pour le plan Marshall ou la construction de l’Europe dont il fut un des pionniers.

Quant à Stéphanie Le Bail, après des études à Sciences-Po, elle a été major de l’Institut Supérieur de Marketing du Luxe (le premier MBA de luxe français) pour lequel elle prépare l’ouvrage commémorant le vingtième anniversaire de cet Institut.

Ces deux auteurs représentent la nouvelle génération des trente et quarante ans passionnées de luxe et de joie de vivre au même titre que la génération précédente représentée par Christian Blanckaert.

« le luxe, ce peut être le moment passé à l’abbaye du Bec-Hellouin à la recherche d’un silence intérieur, le partage de l’émotion devant un paysage, galopant à cheval avec un enfant ».

Ce qui est fascinant dans ces deux livres, c’est la similitude de l’approche qui contraste avec les idées reçues sur le luxe celui du faux luxe, du luxe bling-bling ou clinquant. Les deux livres parlent d’humanisme, de créativité, de joie de vivre, de générosité, de convivialité, d’exigence et même de religion.

Pour eux, le luxe est le refus de la facilité, une quête, une démarche d’effort quelle qu’elle soit, un choix assumé pour découvrir la beauté et l’humanisme. Le luxe est subjectif et chacun a sa propre définition du luxe.
Comme l’écrit Christian Blanckaert « le luxe, ce peut être le moment passé à l’abbaye du Bec-Hellouin à la recherche d’un silence intérieur, le partage de l’émotion devant un paysage, galopant à cheval avec un enfant ».
Et ce n’est pas Stéphanie Le Bail qui le démentira, elle qui est une championne de dressage de chevaux, activité à laquelle elle s’adonne quotidiennement dans sa propriété de Chantilly.

Cette similitude de ton et d’approche, on la retrouve même dans le choix des mots qui encore une fois, ne sont pas un hasard, y compris des mots étonnants à propos du luxe et qui sont communs aux deux ouvrages, comme par exemple : Afrique (qui aurait osé il y a vingt ans à l’époque où l’on disait qu’elle était mal partie), et bien sûr : accueil, beauté, créateur, développement durable, élégance, éthique, famille, générosité, goût, qualité, rêve, service, séduction, temps.
Naturellement, ces deux livres n’ont pas oublié le marketing, marché, superflu, prix, publicité, internet, cadeau, concurrence, contrefaçon, vitrine, mais presque en s’excusant, pour rappeler que ces supports ou ces techniques, on ne peut pas s’en passer, car ils sont inhérents au monde du luxe. Ils nous sont peut être de moins en moins indispensables.

Ces deux livres disant la même chose. Le phénomène est suffisamment important pour être souligné : « le luxe sera de plus en plus une qualité d’âme, un chemin vers le bonheur ».

Pour l’aborder on ne pourra plus se contenter des manuels dépassés d’économie ou de vente. Avec ces 100 et 101 mots, on aura un viatique éternel, pour pénétrer dans l’univers du luxe.
Á neuf euros pour l’un et dix euros pour l’autre, c’est un luxe « qu’on peut se payer » et c’est la preuve que le monde du luxe a bougé.

Christian Blanckaert aux PUF (Que sais-je), Les 100 mots du luxe (9 euros).
Florence Lebaudy et Stéphanie Le Bail, Le Luxionnaire, les 101 mots pour découvrir le luxe, (10 euros) – France Empire.

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Partout en France, le photographe de quartier est une institution. Fidèle aux grands évènements de nos vies, témoins du temps qui passe, des enfants qui poussent, on poussait le porte de son studio en toute occasion.
À l’heure du numérique, quel est son avenir ? A-t-il encore une raison d’être ? De nombreux clients se pressent devant leurs appareils, convaincus du coup d’oeil, de la scénagraphie mais aussi de la psychologie dont font preuve les vrais professionnels. Une belle photo n’est pas seulement une affaire de technique.

Quelques clics suffiront à vous convaincre du caractère irremplaçable de l’oeil du photographe.

Le 1er mai, c’est dans l’ambiance de prises professionnelles que le public pourra être photographié. Il repartira avec un coffret dans lequel il trouvera un bon cadeau pour venir récupérer un agrandissement de la photo de son choix (format minimum 30×30 cm).

Puis, jusqu’à la fin du mois, rendez-vous sur le web où les photos réalisées le 1er mai seront à la fête (avec accord du client). Un concours en ligne sera organisé : les participants et les internautes pourront y élire leur portrait favori. Le vainqueur remportera un appareil photo et des coffrets Relais-Château compteront aussi parmi les lots à gagner.

Une occasion unique de renouer avec votre photographe de proximité.

Pratique :

Qu’est-ce que le réseau « Ma photo c’est vous !»  ?

Le Groupement National des Photographes Professionnels lance en 2010 le 1er réseau de photographes professionnels de France avec le label « Ma Photo, C’est Vous ! ».
Ce dernier se veut un point de repère pour le grand public, qui s’assurera du savoir-faire de son photographe lorsqu’il franchira la porte de son studio.
Cette nouvelle identité visuelle engage ce réseau de photographes professionnels à respecter une charte de qualité.
À travers le label, le GNPP souhaite redynamiser la profession, lui donner une nouvelle visibilité et valoriser le savoir-faire de ces passionnés de la photo.

Où trouver un photographe ?

http://www.maphotocvous.com/_mpcv/index.php?service=publicPhotographe

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